Mi estreno en el Festival de Cine Fantástico de Sitges no pudo haber sido más certero, modestia aparte. La verdad es que el fugaz paso por la localidad sólo me ha valido como toma de contacto de lo que suele terciar en esta cita cinéfila anual: gafapastismo a raudales por las calles de un pequeño pueblo costero, que observa como bares y cafeterías son literalmente saqueados en pos de la salud mental de los asistentes.

Hablo de puntería por la simple razón de que la única película para la que he podido adquirir entradas a tiempo ha sido justamente la gran ganadora de esta edición. Una justa decisión a mi parecer, pese al desconocimiento que sufro respecto a la mayoría del resto de películas proyectadas. Sin embargo, me aventuro a pensar en justicia habida cuenta de que ‘Moon’ es, sin lugar a dudas, una gran película de ciencia-ficción. Duncan Jones ha hecho un notable trabajo aprovechando los recursos con los que contaba, que no eran muchos, para relatar una historia que ahonda en las dudas existenciales más clásicas del género.

Porque aquí estamos hablando de una película de género en el sentido más puro, sin adulterar con escenas de acción o aventura como se ha estado haciendo desde hace algunas décadas para llamar la atención del público general. Simplemente se trata de un ejercicio de demostración hipotética, de un experimento bien ejecutado que podrá fallar para algunos en su conclusión pero al que no se debe cuestionar su eficacia hacia el espectador.

En ‘Moon’, Sam Rockwell encarna a Sam Bell, un operario que trabaja en la Luna como mero vestigio de la labor humana en la recolección y procesado de la energía. La Tierra está tan lejos como siempre, pero durante tres años el protagonista ha vivido un hastío cada vez mayor estando alejado de los suyos. Ni siquiera su única compañía, una inteligencia artificial llamada GERTY (con voz del actor Kevin Spacey) ha podido llenar un vacío que tampoco acaba por olvidarse en las muchas tareas con las que Sam trata de pasar el rato: desde hacer ejercicio a fabricar maquetas de catedrales, cuidar bonsais o jugar al ping-pong.

Independientemente de la lógica de mantener un elemento humano rodeado de máquinas previsiblemente autosuficientes y funcionales, la base del argumento explora al principio cuestiones sociales inherentes a la ciencia ficción: la soledad del astronauta, la desaparición del alma en la era de la robótica, la alienación del individuo como mera herramienta. Sin embargo, la reflexión adquiere una nueva perspectiva cuando Sam sufre un accidente en el exterior de la base, fruto de las alucinaciones que ha ido sufriendo progresivamente. No es cuestión de explicar el giro argumental que de todos modos ya aparece en el trailer, pero que hará gozar más de la trama desde su desconocimiento.

A partir de dicho giro, explicado de forma gradual a medida que continúa el metraje, los interrogantes van cambiando a algo más terrenal y relacionado con la supervivencia del protagonista. Se aborda también un debate ético que no conviene mencionar para no estropear la sorpresa, pero que queda bien resuelto y en el que sobre todo ayuda la espléndida actuación del único protagonista humano del filme.

Pero no es solamente homenaje a la ciencia ficción en un sentido narrativo el que nos ofrece este ‘Moon’. Artísticamente transpira desde el primer segundo el saber hacer de los efectos especiales clásicos y la recreación de vehículos y tecnología no es profética sino hasta anticuada en algunos casos. El empleo de maquetas para las escenas exteriores (en secuencias un poco alargadas, por ponerle algún pero a la película) coloca al debut de Duncan Jones al menos treinta años atrás respecto a otros títulos contemporáneos. Y la verdad es que es incluso refrescante contemplar una película descaradamente de cartón piedra entre tanta CGI que muchas veces es menos realista que lo que vemos aquí.

Resaltar finalmente la impecable banda sonora de Clint Mansell, a mi gusto una de las mejores de este 2009, que no sólo ambienta sino que define por sí misma el tono completo de la película y en esencia resulta igual de embriagadora que las imágenes frías aunque poéticas que abarrotan muchos de los minutos de ‘Moon’. Una película de marcado acento revisionista que debería encauzar de nuevo al género de la ciencia ficción hacia la búsqueda y resolución de cuestiones existenciales; algunas más cercanas a su resolución empírica de lo que nosotros creemos…

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Elliot es un joven con un incierto pasado bohemio que regresa a la tierra de sus padres, White Lake, para ayudarles a levantar su negocio: un pequeño motel condenado a desaparecer. En principio sus ideas modernas no funcionan muy bien con la nula dinámica del establecimiento, pero un arrebato le llevará a convertir el rincón de sus padres e incluso el pueblo entero en el centro del Universo durante tres días.

Ang Lee da la vuelta a la cinta y a la historia, que muchos conocemos gracias al filme de Michael Wadleigh, sobre el festival de música más importante del siglo XX. Y lo hace contándonos algo que nada tiene que ver con los artistas que allí se dieron cita, ni con los más de medio millón de jóvenes que allí se congregaron para darse un viaje en el más amplio de los sentidos. El taiwanés construye una película hablando de su organización y de las pequeñas desventuras que albergaron los que menos se esperaban tener algo así tan cerca.

Este cambio de perspectiva le ha valido al director no pocas críticas de aquellos que auguraban una mayor presencia del fenómeno cultural que supuso Woodstock. Un acontecimiento irrepetible en términos de asistencia, potencia y calado de los temas que se interpretaron allí o el misticismo de la experiencia para una generación que nació y murió en aquellos prados, más adelante barrizales, varias veces en un larguísimo fin de semana. Hubiera sido optar por la vía más condescendiente pero la empresa habría acabado siendo inviable por presupuesto y además, porque no hay necesidad de reflejar algo que ya se pudo ver en total intensidad con “Woodstock: 3 días de paz y música”.

En “Taking Woodstock” el relato se centra en la progresiva dominación de los ideales sobre la idea de negocio desde la que se gestó el festival. Un espectáculo que, pese a negociaciones sobre precios y hombres encorbatados buscando la mayor rentabilidad a su inversión cultural, acabó yéndosele de las manos a todo el mundo para transformarse en un ente vivo; el corazón de un movimiento humano quizá errado desde la base, pero hermoso mientras hubo fe en la victoria del amor sobre el resto de fuerzas del universo. Una idea que, mediante desvaríos visuales creados por el cada vez más notable estudio yU+co, cobra total sentido al ritmo del precioso folk psicodélico de Love; una de las escenas, por otra parte, más despegadas de la propia dinámica del filme.

Porque quizás ese es su principal problema. Para un mensaje tan profundo como el que descansa en la película, sorprende la levedad con la que Ang Lee lo ha transmitido. En la práctica, “Taking Woodstock” se muestra torpe en el arranque y justo cuando comienza a despertar nos topamos con un desfile de personajes y situaciones, simpáticos y despreocupados eso sí, pero con poco empaque y algo desaprovechados. Destacar en todo caso a la histriónica madre del protagonista y a un irreconocible Liev Schreiber como ex-marine guardaespaldas travestido dando el punto almovodariano al argumento.

Aunque realmente cuenta con pasajes destacables (como el citado viaje de ácido o la secuencia a lo largo de una cabalgata de hippies camino del festival) y el resto se deja ver sin aburrimiento, da la impresión de película fallida que acaba igual que empieza. Porque como los restos del festival recogidos por los voluntarios, todos se retraen para ser los mismos y regresan a su pasado, de bohemia o de austeridad, sin percibir muchos cambios. Puede que en eso consistiera Woodstock, en el canto de cisne de un fenómeno que no se volvería a repetir, pero para un servidor que sabe que jamás lo podrá vivir, esta película es como mirar un día soleado tras un cristal lleno de polvo. En definitiva, un merecido visionado con un mensaje positivo, pero sin mayor perspectiva del profundo encanto de Woodstock’69.

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Quentin Tarantino, el director por ósmosis, el artista del ‘copypasta’ y nunca suficientemente controvertido en la definición de genio. A finales de los noventa y principios de la presente década, tras completar su primer trío de películas, nos lo encontramos en la que es su época más fértil como guionista y en la que mayor número de caminos se le abren. Entre ellos quedan pospuestos varios proyectos, algunos de modo indefinido (los Vega Brothers) y otros con la promesa de ser retomados en la siguiente hornada de producción. ‘Inglorious Bastards‘ siempre ha tenido un lugar en este segundo grupo y durante estos diez últimos años ha sido rehecha, abandonada a su suerte y vuelta a coger en más ocasiones de las que merece la pena explicar.

El director y guionista supo siempre que esta historia ambientada en la Segunda Guerra Mundial iba a llevarle más de un quebradero de cabeza. Primero porque aunque se perfilaba en los cánones de otro de sus géneros favoritos, iba a ser más difícil de llevar a la gran pantalla que una película de gánsters situada en un pasado más reciente; y segundo, porque a medida que se iba reescribiendo la historia de ‘Inglorious Bastards’ el resultado era más épico y desquiciado, como hemos llegado a comprobar en la versión final que ha llegado a nuestras pantallas.

Los ‘Malditos Bastardos’ a los que hace referencia el título son, para entendernos, el grupo de guerrilleros renegados que no juega a la guerra siguiendo las normas por la sencilla razón de que el enemigo tampoco lo hace. Aunque su principal cometido es torturar y exterminar nazis para infundir miedo, se les presenta la misión más importante posible delante de las narices. Sin embargo, aunque a priori la idea de matar a Hitler podría ser entendida como el plan maestro de esta banda de desalmados, son ellos los que menos colaboran en su ejecución.

Como en toda historia de Tarantino, el desarrollo episódico va en paralelo y el final de los acontecimientos surge tanto por colaboración de un bando como de otro, desembocando en una orgía de violencia y amor al séptimo arte propia del cine italiano que parió “Quel maledetto treno blindato”, una de las principales entre las muchas influencias de la película.

Y es que hay mucho cine condensado en ‘Inglorious Bastards’. La película se mueve continuamente entre la línea del homenaje y la reutilización más descarada, y no sólo lo hace con títulos clásicos y de culto de su historia, sino también de la propia filmografía de Tarantino. El de Knoxville ha echado mano de canciones de bandas sonoras previas, de una estructura narrativa muy similar e incluso de planos calcados (me refiero por ejemplo a los planos cenitales idénticos en el restaurante japonés de Kill Bill Vol. 1 y en el cine en la presente cinta) Pero esto del copia y pega no creo que pille a nadie sorprendido…

Lo que sí que debería causar temor, sobre todo entre los más acérrimos fans del director, es el ya considerable abuso del parlamento en sus interminables escenas, no como un medio para alcanzar un propósito sino como un fin en sí mismo. Es como si el director, mediante los labios de los propios actores, nos soltara monólogos pesadísimos sobre cosas de las que se ha ido dando cuenta a medida que escribía el guión.

No recuerdo un filme de su carrera en el que hayan hecho menor mella los diálogos en el desarrollo de sus personajes, con excepción de un impresionante primer acto en el que es el espacio escénico y el juego de planos y luces el que aporta la tensión y la información necesaria en cada momento. Cuenta también para ello la actuación del inquietante Cristoph Waltz en su papel de Hans Landa, netamente por encima de un Brad Pitt despreocupado y simple, o incluso de una Mèlanie Laurent guapísima pero más desaprovechada de lo que parece.

No quiere decir lo anterior que ‘Inglorious Bastards’ sea una película aburrida o que no llegue a ninguna parte. Incluso su bizarro revisionismo histórico no es más que parte de la maquinaria de entretenimiento sin prejuicios que propone. Sin embargo, su duración inflada en exceso acaba pesando en muchos espectadores, los cuales por otro lado echarán en falta puntos que hubiera sido interesante tratar: ¿qué opinión merecen los Bastardos a las fuerzas de la Alianza? ¿no caen en los mismos errores que sus enemigos al matar indiscriminadamente? Quizás sean cuestiones de relleno para quienes busquen la simpleza de los géneros que rescata Tarantino, pero también se ha demostrado que en su cine existen los valores, y siempre es mejor tratarlos que pasar tres horas rascando en la superficie.

‘Inglorious Bastards’ es por tanto una película enorme en unos aspectos, pero que pide perfeccionarse en otros y no lo consigue. Pero es en cualquier caso una copiosa sesión de entretenimiento de calidad, que no sentará bien a muchos pero que tiene algo que otros tantos buscan en las grandes salas y no encuentran: personalidad. Aunque eso sí, al contrario de lo que esperaba, no me parece que levante un muro tan grande entre el amor y el odio como lo hicieron sus anteriores cintas. Veremos cómo la trata el tiempo por esto.

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Estamos metidos en verano, una muy buena época para la música. El ánimo aumenta, los conciertos proliferan y los momentos que queremos guardar de esta estación muchas veces se esconden detrás de canciones. Durante los últimos años he venido asociando discos al verano y reventándolos durante unos pocos meses a sabiendas de que no serán obras maestras pero se dejan escuchar muy bien al aire libre: son desde el From Here To There de Girls In Hawaii al The Slow Wonder de AC Newman, en 2003 y 2004 respectivamente, o sin ir más lejos, el Open Letter To The Disappeared de The French Semester el año pasado.

Este año y desde hace unos meses (aunque en Europa aparecerá bajo el sello Morr en agosto) ese título se lo ha ganado el debut de Michael Benjamin Lerner, que desde Seattle nos ha traído un álbum de pop guitarrero muy recomendable. Dado a conocer a través de un EP de muy limitada distribución, su banda llegó a los oídos de Chris Walla, guitarrista de Death Cab For Cutie, quien se comprometió a producir su primer larga duración.

La música que encontramos en Telekinesis! es, a pesar de los orígenes de la banda, tremendamente europea: influida por la calidez de la melodía propia del pop británico y francés, con claros ejemplos como el single “Akward Kisser“, una breve pieza de poco más de minuto y medio con la voz reverberante de Lerner refrescando el ambiente.

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Sin embargo, la mano de Chris Walla en la producción se nota y mucho. Las guitarras inundan sus hits más inmediatos como “Coast of Carolina“, “Tokyo“, “All of a Sudden” o “Foreign Room” y convierten este disco en un claro exponente del indie de los 90.

Quizás ahí reside tanto la lacra que arrastra este disco como su propio encanto, porque si bien está claro que se mete de cabeza en un género simplón y trillado hasta decir basta, es lo suficientemente listo como para copiar sus mejores cualidades y deshacerse de lo malo. De ahí que haya poco que despreciar de los once temas que componen este álbum. Además, por si éste se hiciera corto, en la edición que nos va a llegar a nosotros tendremos a cambio de la espera unos cuantos temas de bonificación, incluida una toma de “Coast of Carolina” tal como fue concebida antes de formar parte del LP, y algún que otro tema del EP previo del grupo.

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Desde luego este disco no ha descubierto la pólvora. Es genérico hasta la médula pero hay en él muy poco o nada a reprochar y sí mucho que disfrutar de sus pegadizas canciones. Os recomiendo su escucha en los lugares más calurosos de la geografía española para paliar un poco los efectos de este verano asesino que estamos pasando. Para todo puede servir la música.

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No voy a justificarme sobre los motivos por los que ha llegado a mi casa procedente de Holanda un Macbook Pro de 13 pulgadas. Tampoco creo que los encontrara si me pusiera a buscarlos, aunque llegado el momento me encontrarán ellos a mí. Voy a desplazarme a Barcelona para vivir, estudiar y espero que trabajar a partir de dentro de mes y medio y mi iMac se me hace demasiado grande y pesado para acompañarme en esta nueva etapa de mi vida. Al menos al principio. Así que he decidido complementar este cambio con un nuevo equipo que he recibido hace escasos días y que está siendo la niña bonita de esta casa de maqueros. Porque si algo ha llegado con fuerza en estas cuatro paredes desde hace casi seis años ha sido la manzana mordida.

Este es el segundo portátil que entra por la puerta con la marca de Cupertino y el anterior es un vetusto aunque completamente funcional iBook G4 que ha pasado a manos de mi madre y a convertirse en el mediacenter de todos los vídeos y series que se emiten en el salón. Esta labor ardua puede ser suficiente para un equipo antiguo que aguanta las embestidas hoy en día pero, ¿qué se puede esperar de un portátil moderno en estos tiempos? La llegada de los netbooks ha sido demoledora y Apple parece vivir en una burbuja en la que sus portátiles de más de 1000 euros son la única solución aceptable aun en tiempos de crisis para llevar el equipo informático allá donde vayamos. Lo gracioso es que los números parecen darles la razón.

Este nuevo Macbook Pro fue pesentado a principios del pasado mes de junio durante la feria internacional que todos los años suele llevarse a cabo de cara a desarrolladores, la WWDC de San Francisco. En ella se renovó la gama portátil de la compañía, dejando algo marginado al actual Macbook a secas, que pasa a ser fabricado únicamente en plástico y con algunas limitaciones de hardware como menos puertos, pantalla de menor calidad y una batería de menor duración aunque extraíble.

El Macbook de aluminio de 13 pulgadas presentado el año pasado, no obstante, ha pasado a llamarse Macbook Pro y ha añadido algunas diferencias más. Ahora comparte las características externas de sus hermanos mayores de 15 y 17 pulgadas: algunas buenas como el añadiddo de puertos Firewire 800 y de ranuras para tarjetas de memoria (ahora por fin Secure Digital) y otras no tan buenas como la batería no reemplazable que aun así aumenta su duración a las 7 horas y sus ciclos de carga nada menos que a 1000. No vamos a negar que los añadidos son considerables pero por ese lado hay poco que elogiar, era un paso natural.

Lo que sorprende de primeras de este nuevo Macbook Pro es la tan publicitada elaboración del armazón que lleva dentro una estructura competente aunque no de última tecnología. Se ha denominado al proceso ‘unibody‘ porque para tallar las piezas, el proceso de modelado parte de un bloque entero de aluminio, por lo que se puede aprovechar mejor este material y optimizar el espacio dedicado a los componentes internos. Este proceso de fabricación es el que desde hace tiempo se había estandarizado para los automóviles. El resultado es incontestable: al coger por primera vez un Macbook Pro tenemos una sensación de solidez y ligereza únicas, casi se nos podría pasar por la cabeza que el portátil ni siquiera ha sido ensamblado y se creó directamente así, de una pieza y funcionando.

Las conexiones son las habituales en un equipo de esta gama, con la eliminación de una segunda entrada de audio óptica como punto negativo importante. Ya de paso, uno o dos puertos USB más tampoco le hubieran hecho feo. La salida digital es la ya habitual Mini DisplayPort que poco a poco busca su lugar en los estándares audiovisuales.

Como lleva sucediendo desde los tiempos del primer Macbook Pro, incluye aparte del micrófono integrado una iSight frontal y, salvo en el modelo de 17″ donde es opcional, una pantalla cubierta por un cristal brillante. No voy a entrar en la controversia de las desventajas que tiene profesionalmente, ya que igual que potencia la pureza de los negros y contrastes de color, distorsiona los mismos y se hace difícil trabajar con fuentes de luz traseras. Digamos que está enfocado más a lo vistoso que a lo funcional, pero el panel que se ha montado en esta nueva gama es indiscutiblemente el mejor que haya visto en un equipo portátil y hay maneras de solventar las pocas pegas que se puedan encontrar por el dichoso cristal. Resumiendo este apartado, la pantalla es una razón de peso por la que elegir el Macbook Pro, y no hacen falta mediciones (que las hay) para notar la mejora.

La gráfica que se ha incluido es una ya conocida de la gama portátil, la Nvidia 9400GT, una integrada de 512 Mb que rinde decentemente aunque sin destacar con programas exigentes de retoque fotográfico, edición de vídeo y con juegos recientes si configuramos bien una partición Windows con BootCamp. La comparación con las antiguas integradas de Intel es ya absurda, pero quizá respecto a gráficas dedicadas que se montan en PCs portátiles se queda un poco por detrás, lo cual es algo a considerar para un equipo de su precio. La opción de montar una doble gráfica con la 9600GT no es viable en el modelo de 13″, pero por su rendimiento y consumo tampoco creo que merezca la pena. No obstante, veremos qué tal le sienta al equipo cuando lo actualice a Snow Leopard (la próxima iteración de Mac OS X) ya que es una de las gráficas a las que se le podrá sacar partido para acelerar tareas mediante OpenCL.

Y ya entrando en materia de software, para alguien que viene de un iBook bastante antiguo, la sensación de manejar el equipo mediante Leopard y sus accesos multitouch con el trackpad es una maravilla. El uso de Exposé es muy intuitivo y aplicaciones como Vista Previa, Safari o el nuevo Firefox 3.5, que aprovechan sus características, se usan más ágilmente que con los dos dedos que podíamos utilizar antes. Además la sensación física del trackpad es más apropiada, si bien el click se siente sólo en la parte inferior y perjudica levemente el movimiento del dedo como cursor.

Queda poco más que decir salvo que Apple se las ha arreglado para hacer del Macbook Pro un pequeño “libro” compacto, fácil de llevar, potente y sorprendentemente por encima del look&feel que muchos creen que domina la atracción de sus usuarios. Objetivamente es muy buen portátil, no perfecto, pero sí una gran elección por un precio cada vez más ajustado.

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Escuchando el último disco de The Shivers (¿Es que tenían un primero? Sí, de hecho hasta un segundo y un tercero) uno se pregunta si son un posible exponente más de la fiebre hipster o realmente hay donde escarbar. Ese contexto neoyorquino en el que se ha movido siempre Keith Zarriello, su frontman y voz principal, además del formar duo con una teclista y grabar sus canciones sin pizca de tecnología reciente… Hay algo que parece indicar una apariencia clara en lo referente a este disco.

Ni hablemos ya de referencias, porque aparecen nombres que desde hace algunos años no paran de citarse y dejan ronchas ya: The Velvet Underground a la cabeza, seguidos de un crisol de bandas plagadas de distorsiones lo-fi que no hacen sino marear la perdiz. Hablar de qué música hacen The Shivers, sobre todo en este álbum “In The Morning”, no les hace ningún favor porque acaban pareciendo o bien unos raros de cuidado, o bien unos amantes del collage sonoro sin personalidad alguna.

Pues bien, sabed que ambas impresiones son erróneas y que este disco merece ser tenido en cuenta como uno de los descubrimientos de este 2009. The Shivers han hecho un trabajo reposado, innovador pero por medios tradicionales, muy disfrutable aunque con algunas idas de olla esporádicas que son las que le ponen interés a lo largo de su duración.

El álbum se abre con “Just Didn’t Need To Know”, canción que tenéis aquí arriba para escuchar y que nos pone en situación con la voz de Keith, que suena conocida desde el principio. Poco a poco el tema va creciendo, se van amontonando las guitarras y sin darnos cuenta tenemos el primer hitazo del LP.

“African Passport” surge desafiante a robarle el puesto a su predecesora, de nuevo con su cantante fingiendo ser un jovencito Tom Waits en sus baladas más célebres. Joanne Schornikow empieza a hacerse notar al teclado y nos ofrece en ésta y la siguiente “Cold In The Morning #2″ algunos de sus mejores momentos. El mensaje es claro: es una música para dejarse llevar por lo que venga porque sea lo que sea, estará hecho con estilo.

La cuota de singles continúa con “Only In It For The $$$”; de primeras la más comercial del conjunto nos recuerda a unos Peter, John & Bjorn en la época en que sabían hacer canciones pegadizas, más lejana en el recuerdo que en la realidad. De nuevo una buena compenetración de guitarra y teclado.

En “Insane”, Keith Zarriello demuestra su crianza componiendo canciones acústicas en una granja en Montreal, con este leve pero reseñable escarceo por el folk tan sólo con su eléctrica, que prosigue nostálgico en “Sad Excuse”, el tema más sentido del álbum.

Para no delegar demasiado protagonismo, vuelve Joanne a la voz y teclado en “Diamonds” (la podéis escuchar abajo). Suenan de nuevo retozones en “Cheree”, la más volada sin duda con su ritmillo pseudo-bailable y los desvaríos de Keith al micrófono. Curiosa de todos modos.

“Firenze” y “Warm in the Morning” cierran el disco aparentemente. De nuevo medios tiempos, de nuevo composiciones delicadas hechas para agradar pero sin tiento, aunque en estas últimas parecen más enraizadas en los sonidos tradicionales americanos.

La impresión general que da este “In The Morning” es la ser un cúmulo de canciones muy diferentes en una primera revisión, pero en el que se aprecian cada vez más elementos de coherencia. También al revés, es un disco unido por los determinantes pasajes eléctricos y las voces de quienes los ejecutan, cada uno en su momento, pero acercándose en cada ocasión a estilos o perspectivas distintas. Por esa simplicidad y sofisticación, facetas que extrañamente conviven, esta banda desconocida parece haber encontrado el cabo para salir del pozo y darse a conocer como la revelación que seguramente serán con el tiempo.

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Cuando Let The Right One In se proyectó en el Festival de Sitges 2008 le robó el corazón a sus asistentes. Fue disgusto sonado en dicha edición cuando el premio a la mejor película recayó sobre otro título, aunque inevitable fue también que se llevara algo grande, en este caso el Méliès de Oro a la Mejor Película Europea. Desde su estreno ha ido paseando por las salas y recopilando elogios, llegando incluso a ocupar las marquesinas de las ciudades como un fantasma de los afiches, cuando allá por el mes de abril hizo acto de presencia en los cines españoles.

No obstante, el planteamiento sobre el papel de esta película no parece el más idóneo para encandilar al público general; tampoco su tratamiento formal, con su ritmo pausado y sus escasos diálogos. Es una película al fin y al cabo que no tendría por qué gustar especialmente, pero que lo hace sin lugar a dudas. El ingrediente que posee para ello es la capacidad para hacer espontáneo este pequeño relato salido de las páginas de una novela sueca (misma nacionalidad que la cinta) que trata una historia a todas luces inverosímil.

En un barrio obrero olmense vive Oskar, un pálido prepúber sin amigos que fantasea con una vía de escape a las humillaciones y palizas que sufre por parte de sus compañeros de clase. La violencia se está posando en su interior pero sabe que en realidad no será capaz de levantar un dedo por miedo a las consecuencias. Sin embargo, un día se mudan al piso de al lado una niña aparentemente de su edad y un hombre maduro de hábitos bastante extraños. Él vaga por las calles con un peculiar equipo de recolección y ella se deja ver por las noches en el patio nevado con poco más que un camisón. Eli, que es el nombre de la niña, no siente frío, no puede comer pero siempre tiene hambre y jura que no es una niña. Sin embargo, Oskar empieza a sentir algo por Eli e inconscientemente aprieta su gatillo interior para sacar de sí el coraje y, para qué negarlo, la agresividad que tiene dentro con tal de defenderse.

Si habéis leído algo sobre la película sabréis que la peculiaridad de la niña protagonista es que es un vampiro. Nadie ha tratado de ocultarlo, si bien tampoco se menciona explícitamente en un buen trecho del argumento porque realmente es un detalle secundario. Ante todo dejar claro que Let the Right One In no es una película de terror aunque unas pocas escenas, algunas más torpes que otras, pueden encuadrarse bien dentro del género. Como pasatiempo de sustos este filme lo hace terríblemente mal y habrá que esperar a películas como “Drag Me To Hell” para ver algo verdaderamente potable en ese sentido.

La que nos ocupa, dirigida por un desconocido Tomas Alfredson curtido en la pequeña pantalla, es una “simple” película sobre el amor de juventud desconocido, dependiente y algunas veces difícil. La compleja tarea que consigue aquí es situar la historia y los personajes en un punto medio que se balancea entre la ternura y el horror, ambas cogiéndote de la mano a lo largo del metraje para no inclinarte a uno u otro lado. Su ambientación oscura en contraste con el blanco de la nieve es un ejemplo gráfico, pero hay más: la comedia negra de Hakan al intentar con sus precarios medios conseguir sangre para la joven, desemboca en un trágico final; el drama de unos personajes secundarios de clase baja que ven como la llegada de una asesina les afecta de lleno a todos los niveles, culmina con un estallido de violencia de imprevisible resultado; las amenazas de los compañeros de Oskar dan paso a la superación del muchacho y a la defensa desmedida para acabar con ellas, y se tornan en desgraciadas consecuencias para él toda vez que una acción tiene siempre su reacción.

Falta por supuesto mencionar la excelente actuación de Kåre Hedebrant en el rol de Oskar y de Lina Leandersson en el de Eli, papel este último más maduro del que una niña de su edad puede normalmente encarnar. Ambos son el eje principal de la historia aunque los secundarios, pese a correr distintas suertes en sus papeles, también tienen su peso en la misma. Decir también en favor de Kåre que física y emocionalmente aparenta toda la soledad y la rabia contenida que da a entender su personaje; a veces llega a dar más miedo que la niña vampiro.

Por último cabe preguntarse acerca de algunas reflexiones y dudas que surgen de su final abierto. Supongo que algunos detalles como por ejemplo quién era Hakan (el señor que acompaña a Eli al mudarse) antes de convertirse en su “cuidador” son resueltos en la versión impresa que no cabe duda que puede considerarse canon pese a que su adaptación cinematográfica será con el tiempo la más famosa de las dos versiones.

Ahora es cuando me tocaría escribir el consabido “no me queda más que recomendaros…” pero aparte de obvio a estas alturas, realmente quiero quedarme con el mayor trozo de encanto de esta película que me sea posible. Así que vedla si podéis (no hace falta que sea en versión original aunque siempre es preferible) y si acabáis adorando como yo esta nada tradicional historia de amor sangriento, a duras penas os dejaré que paséis a serviros. Eso sí… tendréis que pedírmelo antes.

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Reconozco que llega tarde esta opinión, cuando hace prácticamente un año que mis oídos empezaron a escuchar los primeros fragmentos, hablados en portugués, de este tercer álbum. Porque ante todo estamos hablando de un “tercer álbum”, un hito muy difícil de superar para un artista o grupo de música. Es el momento en la trayectoria artística en que se ha dejado de presentar una propuesta, en el que el hueco dentro del panorama musical ha de quedar marcado; sin embargo, es también el duro primer golpe al encasillamiento y la monotonía, porque mediante la tolerancia que tenemos a una repetición, por inercia a algo que nos puede haber gustado de entrada, tendemos a ser misericordes con el segundo disco. Pero con el tercero no.

El trío de Beth Gibbons supo cuando decidió regresar que este álbum iba a ser mirado con lupa, sobre todo teniendo en cuenta que Portishead fueron abanderados junto con Massive Attack del movimiento trip-hop, que parece quedarnos ya tan lejano (los noventa lo están más que los ochenta o los setenta incluso, no lo dudéis) y que tan poco cuadraría en la música actual. Por eso, igual que las palabras que estáis leyendo, el Tercero, curioso nombre por el que llamar las cosas que no tienen mejor definición ni más incompleta a la vez, fue gestándose y desarrollándose poco a poco, muy lentamente y haciéndose esperar. Geoff Barrow hizo suyos los cambios que, como productor, había observado en en la escena durante el largo periodo de separación del grupo, y de sus proyectos bajo el sello de Invada UK se educó para concebir ahora la que iba a ser una visión importante de la electrónica para esta época.

Y es que se nota la mano de Barrow en el giro de este ya no tan nuevo disco. Se nota en la decidida marcha mecánica de los ritmos y la influencia de la electrónica más arcaica y fundamental (el artículo sobre los Silver Apples tiene aquí su razón de ser). Beth sigue teniendo esa gran voz e interpretación que hace que las canciones transpiren emociones, sonando más quebradiza y etérea que nunca. Y la contención la sigue aportando Adrian Utley, quien casi en la sombra otorga la elegancia de los arreglos instrumentales de canciones como “Silence”, o la fragilidad de esas progresiones psicodélicas que dominan la segunda mitad de “Small”, por citar algunos de sus momentos más reconocibles.

De todos modos, el disco suena, como ya se ha dicho tantas veces, oscuro e industrial. A quien como yo, que lo descubriera en su momento gracias a singles como “Machine Gun” o “We Carry On” le habriá parecido de primeras inaccesible, para su extrañeza, porque Dummy era y sigue siendo -y certifico por experiencia personal- un disco que puede gustar a casi todo el mundo con una mínima sensibilidad musical.

Parecía conducido pues a desagradar los oídos de quienes disfrutaron de sus dos primeros trabajos. Sin embargo, algo de Portishead queda en el fondo de estos sonidos nuevos, tanto para ellos como para el panorama actual, que tendrá que ver con el tiempo lo que este disco es: no una traición a los seguidores del trip-hop, si es que alguien queda a estas alturas, sino un inicio con letra mayúscula de lo que está por venir. Y dejar la misma huella reinventando el concepto que gira en torno a ella, despues de tantos años, es de un mérito irrechazable.

Como los desoladores minutos finales de “Threads”, con Gibbons rompiendo definitivamente en lamentos y llevándose a sí misma por los senderos de la condenación mientras suenan las trompetas del Juicio Final. Así caminaron el pasado año Portishead con Third, pisando las cenizas y los restos en descomposición de lo que fueron, tratando de levantar los cimientos de su nueva identidad, tan impredecible como lo que puedan traernos sus nuevas entregas. Con esta hipnótica inventiva que nos demostraron, yo al menos encantado…

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Silver Apples. Y se hizo la electrónica.

Advierto desde ya que éste va a ser un artículo de esos oscuros, poco participativos y que exige del lector un poco de conocimiento musical….

Discos 2008: Fleet Foxes

Es posible que en remotos lugares de los Estados Unidos de América más profundos, grupos como Fleet Foxes campen a sus anchas sin conocer…

Es posible que en remotos lugares de los Estados Unidos de América más profundos, grupos como Fleet Foxes campen a sus anchas sin conocer música más allá de Crosby, Still, Nash & Young. Sitios en los que las tendencias se han detenido, donde todavía se considera un canon la pureza y la armonía vocal, las composiciones adornadas en su justo punto. No, no me refiero a poblados amish; quizás estos parajes son bosques y pueblos renacentistas, como los que nos presenta la portada del disco de debut de esta banda, inspirado en el cuadro Los Proverbios Flamencos, donde el lenguaje figurado se vuelve real y todo está fuera de su contexto.

El caso es que por suerte, en estos sitios parece existir Internet, y de vez en cuando es a través de este canal donde se dan a conocer bandas como Fleet Foxes. Si a finales del año 2007 empezaron a promocionarse vía MySpace, da que reflexionar el que en pocos meses ficharan con una multi como (los usureros de) Warner y editaran casi con simultaneidad su EP de presentación y un LP que profundiza en su estilo y que ha sido de lo más venerado del pasado año.

¿Y qué clase de moda ha traído a este grupo a los titulares de las publicaciones musicales? Precisamente la ausencia de una. Este curioso caso de artefacto fuera de su tiempo, como quien revisa una colección de vinilos antiguos recién descubierta en el desván, nos ha traído a todos una sensación de liberación, de que aunque sea dando marcha atrás todavía se puede hacer cosas que nos sigan pareciendo nuevas. El engaño que siempre funciona.

Y por supuesto tiene mucho que ver el casi excesivo perfeccionismo de todas y cada una de las canciones de este debut homónimo, que no dan sin embargo la sensación de meticulosidad que se les presume por los medios que se toman: coros con reverbs incluso a capella, que inundan las melodías con una ambientación agreste considerable; absoluto dominio de las guitarras acústicas sobre el resto de instrumentos, quedando especialmente bajo y batería en un segundo plano, y sobre todo la armonía de todas las composiciones herencia del folk pop de finales de los sesenta.

Canciones como “Ragged Wood” o “Quiet Places”, con sus bien llevados cambios de tiempo se van alternando con piezas más sencillas pero que tocan más hondo, como “Tiger Mountain Peasant Song” o “Meadowlark”. No obviar evidentemente la más directa del disco, “White Winter Hymnal”, por duración y por resumir perfectamente las señas de identidad de la banda. Eso sí, que alguien explique la broma privada de la letra de dónde sale.

Sea como sea, justamente se ha volcado mucha atención en este grupo aunque no me quiero poner en su pellejo a la hora de plantear su continuación si quieren complacer a las nunca condescendientes masas. Tampoco tendrían por qué hacerlo.

Os dejo con su participación hace escasos meses en uno de los conocidos Take Away Shows que hacen los franceses de LaBlogoteque:

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Os dejo también con otro post de opinión sobre este grupo que entra un poco más de lleno en su anterior EP.

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Vamos a empezar un pequeño repaso desperdigado a lo que ha sido este pasado año 2008 en lo que a discos se refiere. Algunos serán obvias referencias que muchos habréis leído y escuchado a partes iguales, y otros espero que sean placenteras sorpresas.

Hoy nos toca visitar el último compendio de canciones de Joseph Arthur en su última formación con los Lonely Astronauts. Un disco titulado ‘Temporary People’ que ya desde sus primeros acordes golpea los oídos con honestidad, mostrando inmediatamente sus cartas: la sucesión de temas se balancea entre el alt-country y el rock americano de pura cepa en todas sus posibles formas y condiciones, comenzando por ese bombazo musical que da título al disco y que se coloca casi sin pretenderlo en lo mejorcito en año.

Pasados unos minutos de esta primera canción, pocos son los que pueden dudar de que la banda de la que se ha rodeado Joseph Arthur tiene tablas sobre el escenario; demuestran perfectamente su dominio de los instrumentos y además saben aportarlos con la cadencia justa que requiere cada momento, incluyendo su apoteósico final con riffs que poco menos que ponen los pelos de punta.

Temporary People es un disco de letras muy personales, con ese matiz creyente pero nunca beato del que tiene poco por perder pero lo justo a lo que agarrarse. En ‘Faith’, potencial single, nos lleva a capillas donde rubias cuarentonas pasan el cepillo en busca de unos dólares como único dios al que acaba uno adorando. En ‘Heart’s A Soldier’ acuden los personajes desahuciados. Los coros vuelven a recordarnos a un Nick Cave dramático que pide espectáculo de las miserias.

Las composiciones a veces van deshaciéndose en siniestros compases de barra de bar, como en la oscura ‘A Dream is Longer than the Night’, donde Arthur arrastra su falsete quebrado por escalas que parecen no terminar, que se desvirtúan hasta que ya ni siquiera quedan fuerzas para terminar una frase.

A falta este último año de un discazo de Wilco (esperemos que caiga uno en próximos meses) ha servido el descubrimiento para confirmar a un artista llamado por los caminos del culto. Terrenos mal iluminados que no lo proyectarán tan lejos como se merecería pero que nos han dejado este disco al que le auguro un nada transitorio paso, sino más bien se quedará a vivir en mis oídos mucho tiempo.

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