Mi estreno en el Festival de Cine Fantástico de Sitges no pudo haber sido más certero, modestia aparte. La verdad es que el fugaz paso por la localidad sólo me ha valido como toma de contacto de lo que suele terciar en esta cita cinéfila anual: gafapastismo a raudales por las calles de un pequeño pueblo costero, que observa como bares y cafeterías son literalmente saqueados en pos de la salud mental de los asistentes.

Hablo de puntería por la simple razón de que la única película para la que he podido adquirir entradas a tiempo ha sido justamente la gran ganadora de esta edición. Una justa decisión a mi parecer, pese al desconocimiento que sufro respecto a la mayoría del resto de películas proyectadas. Sin embargo, me aventuro a pensar en justicia habida cuenta de que ‘Moon’ es, sin lugar a dudas, una gran película de ciencia-ficción. Duncan Jones ha hecho un notable trabajo aprovechando los recursos con los que contaba, que no eran muchos, para relatar una historia que ahonda en las dudas existenciales más clásicas del género.

Porque aquí estamos hablando de una película de género en el sentido más puro, sin adulterar con escenas de acción o aventura como se ha estado haciendo desde hace algunas décadas para llamar la atención del público general. Simplemente se trata de un ejercicio de demostración hipotética, de un experimento bien ejecutado que podrá fallar para algunos en su conclusión pero al que no se debe cuestionar su eficacia hacia el espectador.

En ‘Moon’, Sam Rockwell encarna a Sam Bell, un operario que trabaja en la Luna como mero vestigio de la labor humana en la recolección y procesado de la energía. La Tierra está tan lejos como siempre, pero durante tres años el protagonista ha vivido un hastío cada vez mayor estando alejado de los suyos. Ni siquiera su única compañía, una inteligencia artificial llamada GERTY (con voz del actor Kevin Spacey) ha podido llenar un vacío que tampoco acaba por olvidarse en las muchas tareas con las que Sam trata de pasar el rato: desde hacer ejercicio a fabricar maquetas de catedrales, cuidar bonsais o jugar al ping-pong.

Independientemente de la lógica de mantener un elemento humano rodeado de máquinas previsiblemente autosuficientes y funcionales, la base del argumento explora al principio cuestiones sociales inherentes a la ciencia ficción: la soledad del astronauta, la desaparición del alma en la era de la robótica, la alienación del individuo como mera herramienta. Sin embargo, la reflexión adquiere una nueva perspectiva cuando Sam sufre un accidente en el exterior de la base, fruto de las alucinaciones que ha ido sufriendo progresivamente. No es cuestión de explicar el giro argumental que de todos modos ya aparece en el trailer, pero que hará gozar más de la trama desde su desconocimiento.

A partir de dicho giro, explicado de forma gradual a medida que continúa el metraje, los interrogantes van cambiando a algo más terrenal y relacionado con la supervivencia del protagonista. Se aborda también un debate ético que no conviene mencionar para no estropear la sorpresa, pero que queda bien resuelto y en el que sobre todo ayuda la espléndida actuación del único protagonista humano del filme.

Pero no es solamente homenaje a la ciencia ficción en un sentido narrativo el que nos ofrece este ‘Moon’. Artísticamente transpira desde el primer segundo el saber hacer de los efectos especiales clásicos y la recreación de vehículos y tecnología no es profética sino hasta anticuada en algunos casos. El empleo de maquetas para las escenas exteriores (en secuencias un poco alargadas, por ponerle algún pero a la película) coloca al debut de Duncan Jones al menos treinta años atrás respecto a otros títulos contemporáneos. Y la verdad es que es incluso refrescante contemplar una película descaradamente de cartón piedra entre tanta CGI que muchas veces es menos realista que lo que vemos aquí.

Resaltar finalmente la impecable banda sonora de Clint Mansell, a mi gusto una de las mejores de este 2009, que no sólo ambienta sino que define por sí misma el tono completo de la película y en esencia resulta igual de embriagadora que las imágenes frías aunque poéticas que abarrotan muchos de los minutos de ‘Moon’. Una película de marcado acento revisionista que debería encauzar de nuevo al género de la ciencia ficción hacia la búsqueda y resolución de cuestiones existenciales; algunas más cercanas a su resolución empírica de lo que nosotros creemos…

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Quentin Tarantino, el director por ósmosis, el artista del ‘copypasta’ y nunca suficientemente controvertido en la definición de genio. A finales de los noventa y principios de la presente década, tras completar su primer trío de películas, nos lo encontramos en la que es su época más fértil como guionista y en la que mayor número de caminos se le abren. Entre ellos quedan pospuestos varios proyectos, algunos de modo indefinido (los Vega Brothers) y otros con la promesa de ser retomados en la siguiente hornada de producción. ‘Inglorious Bastards‘ siempre ha tenido un lugar en este segundo grupo y durante estos diez últimos años ha sido rehecha, abandonada a su suerte y vuelta a coger en más ocasiones de las que merece la pena explicar.

El director y guionista supo siempre que esta historia ambientada en la Segunda Guerra Mundial iba a llevarle más de un quebradero de cabeza. Primero porque aunque se perfilaba en los cánones de otro de sus géneros favoritos, iba a ser más difícil de llevar a la gran pantalla que una película de gánsters situada en un pasado más reciente; y segundo, porque a medida que se iba reescribiendo la historia de ‘Inglorious Bastards’ el resultado era más épico y desquiciado, como hemos llegado a comprobar en la versión final que ha llegado a nuestras pantallas.

Los ‘Malditos Bastardos’ a los que hace referencia el título son, para entendernos, el grupo de guerrilleros renegados que no juega a la guerra siguiendo las normas por la sencilla razón de que el enemigo tampoco lo hace. Aunque su principal cometido es torturar y exterminar nazis para infundir miedo, se les presenta la misión más importante posible delante de las narices. Sin embargo, aunque a priori la idea de matar a Hitler podría ser entendida como el plan maestro de esta banda de desalmados, son ellos los que menos colaboran en su ejecución.

Como en toda historia de Tarantino, el desarrollo episódico va en paralelo y el final de los acontecimientos surge tanto por colaboración de un bando como de otro, desembocando en una orgía de violencia y amor al séptimo arte propia del cine italiano que parió “Quel maledetto treno blindato”, una de las principales entre las muchas influencias de la película.

Y es que hay mucho cine condensado en ‘Inglorious Bastards’. La película se mueve continuamente entre la línea del homenaje y la reutilización más descarada, y no sólo lo hace con títulos clásicos y de culto de su historia, sino también de la propia filmografía de Tarantino. El de Knoxville ha echado mano de canciones de bandas sonoras previas, de una estructura narrativa muy similar e incluso de planos calcados (me refiero por ejemplo a los planos cenitales idénticos en el restaurante japonés de Kill Bill Vol. 1 y en el cine en la presente cinta) Pero esto del copia y pega no creo que pille a nadie sorprendido…

Lo que sí que debería causar temor, sobre todo entre los más acérrimos fans del director, es el ya considerable abuso del parlamento en sus interminables escenas, no como un medio para alcanzar un propósito sino como un fin en sí mismo. Es como si el director, mediante los labios de los propios actores, nos soltara monólogos pesadísimos sobre cosas de las que se ha ido dando cuenta a medida que escribía el guión.

No recuerdo un filme de su carrera en el que hayan hecho menor mella los diálogos en el desarrollo de sus personajes, con excepción de un impresionante primer acto en el que es el espacio escénico y el juego de planos y luces el que aporta la tensión y la información necesaria en cada momento. Cuenta también para ello la actuación del inquietante Cristoph Waltz en su papel de Hans Landa, netamente por encima de un Brad Pitt despreocupado y simple, o incluso de una Mèlanie Laurent guapísima pero más desaprovechada de lo que parece.

No quiere decir lo anterior que ‘Inglorious Bastards’ sea una película aburrida o que no llegue a ninguna parte. Incluso su bizarro revisionismo histórico no es más que parte de la maquinaria de entretenimiento sin prejuicios que propone. Sin embargo, su duración inflada en exceso acaba pesando en muchos espectadores, los cuales por otro lado echarán en falta puntos que hubiera sido interesante tratar: ¿qué opinión merecen los Bastardos a las fuerzas de la Alianza? ¿no caen en los mismos errores que sus enemigos al matar indiscriminadamente? Quizás sean cuestiones de relleno para quienes busquen la simpleza de los géneros que rescata Tarantino, pero también se ha demostrado que en su cine existen los valores, y siempre es mejor tratarlos que pasar tres horas rascando en la superficie.

‘Inglorious Bastards’ es por tanto una película enorme en unos aspectos, pero que pide perfeccionarse en otros y no lo consigue. Pero es en cualquier caso una copiosa sesión de entretenimiento de calidad, que no sentará bien a muchos pero que tiene algo que otros tantos buscan en las grandes salas y no encuentran: personalidad. Aunque eso sí, al contrario de lo que esperaba, no me parece que levante un muro tan grande entre el amor y el odio como lo hicieron sus anteriores cintas. Veremos cómo la trata el tiempo por esto.

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Creo recordar que hace un par de años, cuando se estrenó la película… perdón, LAS PELÍCULAS que tienen como título la primera palabra del post (y que no veré hasta que las vendan juntas sin cortes) Manga Vídeo aprovechó el tirón: recuperó dos títulos cuya licencia de distribución criaba polvo en sus estantes, Black Sheep y Severance y las proyectó una tras otra en la vieja tradición de los cines de verano. Desde los lejanos años cincuenta sabemos que una historia con sexo y violencia no nos llena. Como los Petit Suisses si son dos, mejor…

En el siguiente artículo os recomiendo un par de cintas recientes de terror que han gozado de relativo éxito entre los aficionados a la casquería. Sólo tenéis que coger aguja y cordel y unirlas como buenamente podáis, tener a mano algo para comer, algo para beber, algo para descomer y un sitio donde repanchingaros con vuestra pareja o amigos para horrorizaros y descojonaros a tiempo partido. Toca guerra Oriente-Occidente:

Tokyo Gore Police

Capitán Obvio se me ha aparecido y me ha revelado que los japoneses están como una chota. Si no no se explica esa mezcla de comedia y profundidad, de épica y falta absoluta de vergüenza que tienen sus películas de serie-B. Su producción es además tan insultantemente enorme, sobre todo en el mercado casero, que para no repetirse tienen que pensar a conciencia qué nuevas perversiones rodar con los medios con que cuentan. Sobra decir que siempre parecen gozar de varios ases en la manga.

Tokyo Gore Police es un nuevo giro de tuerca a las aberraciones hombre-máquina y a la crítica social a un país cada vez más vendido a las empresas. En el filme, Japón ha sido totalmente privatizado y las multinacionales experimentan con seres humanos sin piedad. Resultado de ello surge una amenaza de mutantes que por obra de la genética sustituyen sus heridas y miembros amputados por armas, todo ello fruto del científico loco de turno. La policía (también privada) no da abasto a tantos y tan bizarros engendros y tiene que llegar la pertinente y vengativa protagonista a reventar cuanto chalado homicida se le ponga por delante.

Visto así, puede parecer un interesante mix de desfase rojo-nipón con contenido que rasque un poco la complicada mentalidad tras los ojos achinados. Lástima que ésta siga siendo una asignatura pendiente de este tipo de cine, ya que tras el planteamiento lo que nos presentan son más y más peleas entre humanos y criaturas. ¿Pero es esto un problema para los que esperan solo aberraciones y japonesas tetudas chorreteando sangre? Si no es así, gozad del espectáculo escarlata que va de menos a más, y en el que hay que reconocer una extraordinaria imaginación no exenta de plagios u homenajes (esa mujer-caracol plasmada directamente del ‘Uzumaki’ de Junji Ito) donde personajes y situaciones son extraídos de la pesadilla colectiva de un país.

Además también presume de esa tonta lírica que trata de decirnos lo bella que es la violencia, lo artístico de la venganza y lo poco espesa que puede ser la sangre cuando se tienen más de 200 litros de ella en el cuerpo. Tokyo Gore Police tiene pocos momentos de comedia pero también la cuota necesaria de frivolidad ‘made in Japan’ que nos saca una sonrisa en más de una ocasión. Lo que nos hace gracia no es la película; es pensar qué coño tienen en la cabeza los que la sacaron adelante…

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Poultrygeist: La Noche de los Pollos Vivientes

Aquí si estamos ya hablando de comedia gore de viernes noche. Nada menos que la factoría TROMA está detrás de esta película dirigida por uno de sus estandartes: Lloyd Kaufman, responsable de las cuatro entregas de “El Vengador Tóxico”. No es para menos, y el resultado es una digna revisión del subgénero en los tiempos que corren pero con toda la esencia y caspa de antaño.

Una historia que comienza poco original: pareja folleteando en un cementerio en los primeros minutos de metraje, con diálogos que parodian a posta todos los clichés existentes en la serie B, seguida de la aparición de unas manos zombies en mitad del acto sessuarl. A partir de la apertura de una réplica del KFC sobre un antiguo cementerio indio se desarrolla el resto de la “trama” que implica, a saber: huevos malditos, pollos zombies, mujeres suicidas de la yihad, colectivos de lesbianas, rednecks follapavas, curas repelentes y magnates odiosos las franquicias alimenticias, punk-nerds y hamburguesas parlanchinas. Adorna este crisol de esperpentos con cantidades industriales de diarrea, sangre, tripas y comida basura y te acercarás al desenfreno de esta guantada al buen gusto.

La verdad es que es divertida si desconectamos el chip de madurez durante su escasa hora y media de metraje. Hay momentos delirantes y ninguno que realmente dé cosica en tanto que los medios son los que hay, sin concesiones al realismo. Sin embargo también tiene sus puntos flojos dentro del desmadre que pretende ser; tal vez por dotar de aún más variedad a la película se han añadido, sobre todo durante la primera mitad, números musicales. Si ya el hecho de meter canciones y bailes a una película gore es raro, hacerlo en una de bajo presupuesto y con guionistas cuyo talento tiene unos cercos bien limitados no termina de cuajar; solo un par de ellos tiene algo de interés por las letras algo gamberras. Además hay salpicadas algunas críticas a la sociedad estadounidense pero son tan explícitas y repetitivas que no provocan ni una sonrisa de complicidad.

En cualquier caso es un buen final de doble sesión, cuando ya has bajado tus expectativas lo suficiente como para pedir sólo diversión descerebrada y una ida de olla detrás de otra. Dentro de la TROMA es uno de sus títulos recientes de mayor calidad y está plagado de referencias a cintas anteriores y cameos bizarros, como Ron Jeremy o Trey Parker. Recomendable como broche de mierda a una noche demente:

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Y ahora a dormir y a soñar con engendros bio-mecánicos y zombies que cacarean…

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Watchmen: La película

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Sirva de aviso previo que toda esta serie de posts, separados más en el tiempo a la opinión de la película de lo que me hubiese gustado o hubiese podido, obedecen a dos razones: motivar a los que tienen curiosidad para que se lancen al cómic, y condicionar a los que no la tengan para que disfruten de la película si deciden verla.

Y es el que el último proyecto de Zack Snyder y la Warner ha arriesgado y ha experimentado, quizá no con las mismas motivaciones ni resultados que los creadores del tebeo original de Watchmen, pero lo suficiente como para considerarse un ejercicio loable en los tiempos que corren. Sobre el papel, una historia noir de superhéroes en la vida real, condicionando el futuro del planeta con unas licencias metalingüísticas portentosas, se ha convertido en una apuesta de cine espectacular pero nada condescendiente con el espectador medio. Creo que a día de hoy, ese es un buen punto de inicio y hay que reconocer el mérito.

Dicho todo esto, pasemos de las intenciones y veamos realmente como ninguno de los puntos previstos para comentar este filme, y a la vez todos ellos, nos pueden valer una vez digeridas las casi tres horas de película. Watchmen puede verse desde múltiples ángulos y en todos ellos surgen pros y contras, haciendo impredecible la acogida de cada espectador a la propuesta que se nos ha enseñado en las salas.

Como adaptación, ya repito que hay luces y sombras. Es innegable que en lo visual hay un enorme respeto por la composición y la perspectiva cinematográfica que da buena cuenta de la asistencia de Gibbons en el proyecto. Sin llegar a considerarse un calco como fue ‘Sin City’, usa las nuevas tecnologías para embadurnar el conjunto de un ambiente casi kitsch, ni apartado del cómic ni de la realidad en el que se desarrolla. También se puede decir lo mismo de otros aspectos: el guión no chirría demasiado e incluso se permite ciertos guiños, algunas interpretaciones que deshacen la incertidumbre, pero nada grave.

Además la tan manida controversia sobre el final parece gozar del beneplácito de la mayoría, confirmando mi teoría de que un cefalópodo con poderes telepáticos mola muchísimo, pero es demasiado desembolso para solamente provocar carcajadas en la sala. Junto a la incredulidad ha sido ésta, de hecho, la reacción común de los que me han preguntado por la conclusión original, sin darse cuenta de que el mensaje que subyace en ambos casos es más serio y profundo de lo que una bizarrada así sugiere en una primera lectura.

Así pues, si la obra se ha respetado todo lo que era posible y la historia ya era buena de por sí, en el qué y en el cómo: ¿qué es lo que ha fallado? A priori no hay una sentencia absoluta al respecto. Puede que tenga que ver con el ritmo narrativo que se ha impreso a la cinta, que se recrea demasiado en algunos pasajes y considera otros como menores. Esto, que en el cómic se puede resolver con cuantas relecturas sea necesarias, en el formato audiovisual es imposible: lo que dura tantos minutos o tantos fotogramas, en tantos se queda. Rebobinar no sirve, y la estética no llega como para analizar cada instantánea clave en busca de nuevas revelaciones.

Es en este punto donde Moore se apunta el tanto, asegurándose, yo creo que de forma involuntaria, de hacer del cómic algo irremplazable. Pero por otro lado ¿qué forma habría de mejorar la adaptación, dejando a un lado los “detalles” que muchos ya conocen y que son los que en buena medida han hecho posible esta película? La respuesta, al final del artículo.

Quiero hablar ahora un poco del nivel de sexo y violencia de la película. Primero mencionar, no por ganas, que sale un cipote que brilla. Punto. Ahora centrémonos en todo lo demás: Snyder sigue en su estela de violencia explícita cuando aquí viene menos a cuento que nunca. Trata de hacer adulta una película con el recurso más pueril, que es que las hostias caen y sobre todo duelen. Me confieso y afirmo que no miraba directamente la pantalla en casi ninguna de ellas, porque si hay algo que me da FOBIA son las luxaciones y fracturas de huesos, sobre todo abiertas. La sangre me da bastante igual, pero con esos traumas físicos sinceramente no puedo.

¿Era necesario? ¿Aparecen esas bestialidades en las viñetas que dibujó Gibbons? Por otra parte, no se me hicieron largas las escenas de lucha y aunque algo exageradas para lo que eran los justicieros originales, eran hasta entretenidas. Luego está el Hallelujah… el “momento Hallelujah” que en el cómic no aparece por ningún lado pero que aquí se alarga y se hace risible, anticlimático y fuera de lugar. Como el calamar en el cómic, aquí se quisieron marcar la pequeña pasada de rosca de la película. No me cabe otra explicación y en ese sentido sería hasta de aplaudir. Una historia tan dramática tenía que descargar la sorna por algún lado, y ya que el comediante ha muerto…

Así pues y concluyendo: Watchmen, la película, es una más que notable adaptación y una apuesta cinematográfica que busca la complicidad del espectador a medida que transcurren sus muchos (no tantos) minutos. No está hecha para amoldarse a la mente del público, sino que es el mismo público el que tiene que bailar a su son: es dura, es naturalmente complicada y amarga de principio a fin. Si fracasa para la mayoría es por expectativas, ya sea bien por exceso o por defecto de las mismas, pero no por el producto en sí, ya que valorado en bruto es una película original y bien realizada, sin apenas discusión posible. No es perfecta, ya he comentado que tiene un ritmo desigual y le falta entidad y espíritu cinematográfico. Pero es, sin duda, lo mejor que se podía haber hecho.

Volviendo a unos párrafos atrás: ¿de qué única forma se podría haber mejorado la adaptación de Watchmen? No haciéndola. Pero eso sería tirar por lo fácil y al fin y al cabo hay que dar gracias de que estemos aquí, escribiendo y leyendo respectivamente acerca de un cómic sobre el que nunca se escribirán las suficientes palabras.

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El año que terminó ha sido testigo del momento por el que pasa el cine actual. Ha habido mucha morralla en 2008, demasiada; sin embargo hay un rayito de esperanza, se intenta desde lo más hondo ofrecer calidad dentro del simple entretenimiento. Es cierto que varios de los filmes que considero que han marcado mi año cinéfilo fueron estrenados en años anteriores, pero sopesando en general,lo que cuenta es que ha habido cosas que me han arrastrado a las salas con las ganas que no había tenido en años. Pocas, pero se han hecho notar. Hagamos un repaso y quitémonoslo de en medio.

La nueva comedia

Un término que desde que existe (hace más de lo que pensáis) ya estaba anticuado, pero que ha servido para acuñar una serie de directores y películas que se pretenden alzar como relevo de algo que por intrascendente no llegamos siquiera a identificar. Mientras ‘Juno’ cosechaba elogios por doquier, uno se pregunta si sin su pretendida pose indie habría conseguido llamar la atención.

Para aprender de pose y de sustancia habría que fijarse en Wes Anderson, cuya ‘The Darjeeling Limited’ visitó en víspera de reyes nuestras salas, y que aun sin ser su mejor película sí es la más accesible, la menos marciana. Y eso que el planteamiento de tres hermanos peleados que viajan por India al ritmo de los Kinks es cuanto menos, peculiar. Una película sin duda para gente que busca libertad, soñar que realmente es capaz de hacer con su vida lo que quiera, y una vuelta más de tuerca a las familias bizarras de hoy en día que recomiendo especialmente.

También en su línea pero evolucionando Michel Gondry, cuya ‘Be Kind Rewind’ se estrenó haciendo poco ruido. Llevaba mucho esperando de esta película por su original historia y por el cariño que siento por todo lo casero, desde las croquetas a los remakes. El resultado no es tampoco una obra maestra, pero señores: aquí hay una nueva muestra de amor por el cine como no se había visto desde ‘Cinema Paradiso’. Con final lacrimógeno y todo.

Y la sorpresa me la ha dado precisamente la que menos tiene que ver con la nueva comedia, ‘In Bruges’. Atraído por la curiosidad de ver cómo ha quedado la película rodada en la ciudad belga, en la cual estuve de Interraíl mientras se rodaba precisamente, me encuentro con una mezcla de géneros muy bien resuelta. Colin Farrell en un papel que podía haber firmado Jamel Debbouze, ingenuo aunque con una carga dramática considerable que le ha valido el Globo de Oro; Brendan Glesson dando la réplica con sobriedad y Ralph Finnes inquietante en un segundo plano. Además Brujas luce genial en esa falsa Navidad y no es una mera excusa, sino que interactúa con los personajes.

De superhéroes

Parece que al contrario que el género del bio-pic, la saturación no ha terminado matando al de adaptaciones del cómic. Más bien se ha reanimado al mismo gracias al talento de directores consolidados y noveles que como mínimo han intentado ofrecer entretenimiento y espectáculo sin idiotizar demasiado, sin salirse de las licencias que impone el género.

La Marvel ha comenzado así con buen pie el proyecto de los Vengadores con sus dos primeras producciones propias: ‘Iron Man’, con un Robert Downey Jr. al que le sienta el personaje como un guante, y un intento de regreso de Hulk mucho menos arriesgado, más inocuo, pero que ha pasado por el periodo estival sin sufrir muchas collejas. Esperemos que al menos mantengan el nivel los próximos años.

En cuanto a ‘The Dark Knight’ no considero que haya mucho que decir. Estamos ante toda una lección de cómo hacer cine para las masas, y teniendo como maestro al todavía infalible Chris Nolan la fe se hizo carne. El Joker, de obligada adoración en versión original con un Heath Ledger cuyo canto de cisne consiste en poner la voz del pato Lucas. Un imponente villano que por suerte es solo un engranaje más dentro de la máquina de hacer dinero y premios en que se ha convertido el estreno del verano y casi podríamos decir que del año. Ojalá pueda verse superada por ‘Watchmen’ si llega a estrenarse finalmente, no lo tiene nada fácil.

De Oscar a Oscar

Aunque del 2007, tres buenas películas estrenadas este año fueron tres de los candidatos a estatuillas allá por el mes de febrero. La primera en pleno mes de enero fue ‘Atonement’, nueva película de Joe Wright y nueva incursión en el drama de época, esta vez en la Segunda Guerra Mundial. Dicen que sale Keira Knightley pero su cara de mona anoréxica queda eclipsada por mi nueva musa Romola Garai, con quien tengo que quedar a tomar un café un día de estos. Y que vaya de enfermera, por favor.

Radicalmente opuesta salvo por su pomposidad queda ‘There Will Be Blood’. Si me tengo que posicionar entre dejarla como obra maestra o como estafa intelectualoide me decanto por volverla a ver y callar. Paul Thomas Anderson trae de vuelta a Kubrick y sus excesos al siglo XXI con una historia que mezcla familia, religión y poder y que no se me hizo larga como a otros. Eso sí, los excesos que antes comentaba son también cargantes por momentos, y el final es un poco WTF. Mención no obstante a la nuevamente genial banda sonora de Jonny Greenwood, de Radiohead.

Y bueno, queda la obvia mención a la ‘bardem-manía’ de ‘No Country For Old Men’. ¿Está justificada? Podría decirse que sí en vista del lamentable panorama cinematográfico español. La ya sagrada tradición de atribuirse como suyo el mérito de los demás por algo tan simple como la nacionalidad es algo que casi no se puede evitar. La película bien, gracias; quizás prefiero Fargo, y es que Peter Stomare acojonaba bastante más sin llevar bombona de oxígeno.

Orientando la mirada a los Oscars 2008, es innegable que entre el Caballero Oscuro y esa impecable obra de Pixar sobre robots que aman, ‘Wall-E’, van a caer unas cuantas (al menos una y ya sabéis para quién) Desde luego la factoría de animación sería capaz de hacer una película de dos horas sobre piedras y ponernos de nuevo a sus pies…

Y sin embargo… fantástico

Es curioso que en parte el buen nivel de este año se ha conseguido gracias a cintas sorpresa de corte más bien surrealista, fantástico, etc. Cierto que hay excepciones, como el demoledor drama ‘Before the Devil Knows You’re Dead’ que atrapa por la estructura narrativa y las interpretaciones de Ethan Hawke y Phillip Seymour Hoffman. Igual hay también decepciones, ¿verdad Indy?

A primeros de año JJ Abrams, ya conocido como nuevo Midas del sector audiovisual, respaldaba un proyecto multimillonario disfrazado de cinta de terror independiente con cámara en mano llamada ‘Cloverfield’. El resultado ha sido una de las amadas y odiadas del año. Yo creo que como entretenimiento ha sido un producto de primera calidad, trepidante y sobre todo con personajes que conectaban muy bien con el público.

Menos conocida ha sido ‘The Fall’, del director indio Tarsem Singh. Ya en ‘The Cell’ mostró algo de su portentosa imaginería visual aunque fastidiada por los cánones comerciales de Hollywood. Ahora desde la humildad del segundo plano parece campar a sus anchas y nos regala una fantástica película a mitad de camino entre el cuento y la tragedia real. Una de esas historias que te marcan durante mucho tiempo.

En cuanto al cine español… tras la larga espera, Vigalondo pudo estrenarse en el largometraje con ‘Los Cronocrímenes’, volviendo a demostrar sus fortalezas y carencias: una historia que no por vista deja de ser sorprendente en cuanto a estar reconstruida de modo quirúrgico, pero que sufre de unas actuaciones abominables en el peor de los casos, poco creíbles siendo benevolentes.

Os dejo que digiráis todo este contenido. Ni me molesto en sacar conclusiones, que debéis estar un poco saturados (si es que os lo habéis leído, que me extrañaría) Hala, ¡a disfrutar del cine!

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Si alguien me preguntara, por circunstancias concretas e improbables de la vida, cuáles son mis directores asiáticos favoritos, le contestaría con orgulloso orden y certeza que son tres: uno japonés, Takeshi Kitano; uno coreano, Park Chan-Wook, y uno chino, Wong Kar-Wai. Queda muy bien porque los tres son muy bien valorados y además tocas de todo un poco en el cine del lejano Oriente.

Sobre el último hay una huella imborrable que han dejado sus películas. Un sello de identidad visual que ha marcado su obra, sobre todo sus últimas entregas, que cautiva a cualquier persona que se acerque a ellas con unas consideraciones previas de las que trataremos más adelante. Si los tres directores antes mencionados tienen personalidad, Kar-Wai es el que impregna externamente la misma a su cine, por tanto el que más rápido puede distinguirse. Esto lo vimos sobre todo con In The Mood For Love y 2046, dos pequeñas obras maestras de la dirección que comparten elementos estéticos, narrativos y argumentales en pos de transmitir sentimientos de amor y nostalgia, que es para lo que este director chino parece haber nacido.

No voy a entrar en detalles sobre su obra previa, eso queda para vuestra curiosidad. Vamos a comentar la última y tardía película que ha llegado recientemente a nuestras pantallas con una no poco sorprendente campaña de publicidad, que al menos en Málaga ha tenido bastante repercusión en medio exterior. Se trata de My Blueberry Nights, filme esperado pues se trata de la primera incursión en los entresijos del cine occidental por parte de este autor. Ya hemos visto que pueden salir cosas buenas, nos lo confirmó Ang Lee con (la por otro lado sobrevalorada) Brokeback Mountain.

Así pues, Wong Kar Wai se rodea de un reparto de estrellas con cabeza sobre los hombros y pies en el suelo, que son más que caras bonitas: Norah Jones interpreta a Lizzy, una chica que tras averiguar que su pareja la ha abandonado del todo por otra persona, decide recorrer el país para descubrir el amor verdadero. Y con ‘amor verdadero’ me refiero más al concepto que a la persona que puede representarlo. Mientras tanto, escribirá cartas al camarero que le ayudó a descubrir todo el “pastel” (pun intended) interpretado por un sobrio Jude Law de vuelta de todo. El resto del reparto desempeña sus roles en historias anexas a la principal, desde una guapísima y pasional Rachel Weisz a la compleja aunque algo pueril Natalie Portman, o el gran papel de David Strathairn como oficial de policía alcohólico que ahoga sus penas para anestesiar un corazón que no puede evitar amar demasiado a la mujer que ya se fue.

En este sentido, My Blueberry Nights es un calco de lo que ya eran sus anteriores películas: personaje desengañado en el amor recorre mundo escribiendo sus pensamientos, mientras observa y participa de las miserias sentimentales que va encontrando por el camino. Lo que era antes un periodista se convierte en camarera, lo que era antes el Hong Kong de los años 60 es la norteamérica actual. En definitiva, es el esqueleto que Kar-Wai domina con un cambio de piel que le abre las puertas de occidente. Un mercado que desgraciadamente quizá no esté acostumbrado al ritmo decididamente lento y contemplativo en el que siempre se mueve.

Incluso puede decirse que en el apartado técnico se copia descaradamente, lo cual casi siempre es bueno porque si algo sabe hacer este director es buscar el encuadre que mejor transmita al espectador lo que sienten sus personajes. Se le perdona hasta cierto punto el abuso ya casi enfermizo del efecto strobe, pues al menos la ambientación es más variada que en sus últimas películas, donde los personajes pasaban de un callejón a un pasillo y para de contar.

Volviendo al autoplagio, la banda sonora también recicla a base de armónica el famoso Yumeji’s Theme que se ha convertido en su carta de presentación musical. Una banda sonora impecable en cualquier caso, con temas de Ry Cooder, Ottis Redding, Cat Power (que también tiene un pequeño papel) o la propia Norah, y que voy a tener que añadir al par de discos que ya tengo de su parte.

Como resumen decir en primer lugar que hay que estar predispuesto a la parsimonia con la filmografía de este director, y a valorar especialmente las historias de amor. En ese caso recomendaría My Blueberry Nights a aquellos que quieran iniciarse en el cine de Wong Kar-Wai y sientan algo de rechazo al contexto que siempre ha marcado sus películas. Al resto, o bien no les agradará como ninguna otra lo podría hacer tampoco, o bien encontrarán esta cinta algo redundante, pero de todos modos se estarán perdiendo una bella historia de imágenes espléndidas que abunda poco, y menos lo seguirá haciendo, en nuestras carteleras.

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