No sé si recordaréis algo de este blog, pero La Biblia Intermitente siempre se ha preciado de separar el grano de la paja en muchos aspectos. Qué mejor momento que ahora para poner de manifiesto esa naturaleza cribadora, cuando la avalancha de álbumes, películas y series queda ya en el pasado y conviene evaluar lo que ha dado de sí este 2009, año de bienes en lo personal y que ha gozado de un catálogo de productos numeroso y convincente.

En lo musical, que es en lo que nos vamos a fijar en este post, el presente (por poco tiempo) año ha estado marcado por un goteo incesante de títulos interesantes, nuevas propuestas y alguna que otra decepción, pero de lo que no cabe duda es de que nos hemos encontrado una actividad enorme dentro y fuera de las fronteras del hype.

El año empezaba sin sorpresas. Las primeras filtraciones de 2009 ya llevaban un par de semanas coleando por la red y los oyentes más impacientes ya habían catado algunos lanzamientos, como la esperada continuación de AC Newman en solitario. El sucesor del magnífico ‘The Slow Wonder’ no alcanzó sus cotas de inspiración pop luminosa, pero que nos deleitó durante algunas de las frías semanas de enero con sus pegadizas melodías. También lo hizo el más rockero de los discos de Akron/Family, quienes tras su paso por Málaga habían dejado claro que las guitarras iban a dominar el ‘Set ‘Em Wild, Set ‘Em Free’, como así se demostró. Un liberador ejercicio de hippismo a comienzos del siglo veintiuno que se ha desmarcado de sus coetáneos. Os dejamos a continuación con ‘River’, de su último disco:

Por lo general, este año se ha visto inundado de nuevas propuestas pop que nos han encantado por saber alejarse del la ñoñez propia del género: desde el debut de unos poco originales aunque efectivos Telekinesis! o The Pains of Being Pure at Heart, al nostálgico y ruidoso álbum de Girls justo después del verano. Todos ellos han sabido ponerle su punto de color al año, y sobre todo en los meses estivales con el insoportable calor haciendo mella en los ánimos de medio mundo, han sido más eficaces que nunca. Ahora le toca el turno a ‘Lust For Life’, de Girls:

En el ámbito de los retornos ha habido de todo un poco. Algunos regresos han sido bastante esperados pero no se han cumplido las expectativas, como sucedió con el ‘It’s a Blitz’ de los Yeah Yeah Yeahs, a los que se les perdió la fuerza rockera de sus primeros tiempos y llenaron el hueco con chundismo y medios tiempos poco inspirados. Tres cuartos de lo mismo pudo decirse de Mando Diao, convertidos en banda de Pull&Bear por obra y gracia de su nuevo politono “Dance with Somebody”; un Graham Coxon en plan ablandado, otro Morrissey cada vez más contento de haberse conocido (si eso es posible) y hasta unos Wilco que pese a su directo formidable lanzaron un disco homónimo que no es malo, pero al que el tiempo le subraya su categoría de álbum menor. Y cuando llevas dos discos menores, quizás es que estás yendo en una trayectoria no muy deseable. En todo caso, este último tiene buenas canciones como ‘One Wing’:

Sin embargo también ha habido reencuentros que han sido toda una sorpresa en lo positivo. The Horrors plantaron cara al bluff que supuso su primer álbum con la inteligente maniobra de dejar que Geoff Barrow reconstruyera su sonido en un ‘Primary Colours’ que suena lo justo a ellos. Por su parte, Phoenix volvieron de los muertos con ‘Wolfgang Amadeus Phoenix’, en uno de los más bailables discos de 2009. Y finalmente unos Flaming Lips desatados, completamente distintos de todo lo que han hecho desde The Soft Bulletin, imaginativos en este ‘Embryonic’. Un magistral ejemplo de banda que no conoce fronteras creativas aunque tarde más de lo debido en demostrarlo. Aquí tenéis ‘See The Leaves’ para demostrar a qué suenan Wayne Coyne y los suyos en la nueva década:

No nos olvidamos de otros géneros. En cuanto al rock, incluimos a Yo La Tengo y su genial ‘Popular Songs’ por historial pero su último trabajo, aunque plenamente efectivo, se mueve por estilos muy variados. No ocurre lo mismo con Dinosaur Jr. cuyo ‘Farm’ es una excelente continuación de Beyond, que ahonda en un rock que siempre se echa en falta en estos tiempos. Finalmente, el recién formado supergrupo Them Crooked Vultures retoma los primeros y mejores tiempos de Queens of the Stone Age e incluso se permite traernos algún recuerdo lejano de lo que era el stoner, dando evidencias de que es Josh Homme el que lleva la batuta en la formación. Ahí lleváis ‘New Fang’ como botón de muestra con John Paul Jones al slider:

Respecto al folk y los sonidos más relajados, tenemos presente las grandes entregas de Antony & The Johnsons y su ‘The Crying Light’, The Antlers presentando ‘Hospice’, Bowerbirds, entrañables con ‘Upper Air’ y The Wooden Birds con ‘Magnolia’. Delicados y eclécticos sonaban The Shivers en ‘In The Morning’, como ya se comentó en su momento; Cass McCombs protagonizó uno de los más destacados lanzamientos del verano con su sonido a medio camino entre folk y country y su melódico timbre de voz que recuerda a Andrew Bird. Os dejo ahora con el tema que abre su disco, ‘Dreams Come True Girl’:

Muy parada ha estado la cosa en lo nacional. Olvidables las últimas apariciones de Love Of Lesbian, La Habitación Roja y The Sunday Drivers; de Manos de Topo o las clonaciones hechas a Russian Red apenas merece la pena hablar. Opinión personal, recordad. Sí que destacamos a Francisco Nixon con otra entrega de sus canciones pop cercanas en ‘El Perro es Mío’, aparte de los indispensables Cohete y su disco homónimo, Joe Crepúsculo en el genial ‘Chill Out’ y los más recientes Pumuky con ‘El Bosque en Llamas’. Os dejo los canarios con nombre de dibujo animado con ‘Los Enamorados’:

Dejo para el final los dos discos que han supuesto un punto y aparte para este año. Tanto Grizzly Bear como Animal Collective han demostrado un saber hacer increíble en sus sendos últimos álbumes, piezas fundamentales del indie que se ha venido haciendo en los últimos años y enunciados muy posibles de lo que está por venir. En cuanto a la banda de Edward Droste, ha sido mayor la sorpresa de este ‘Veckatimest‘ que ha supuesto un regreso elegante, ensoñador, bien realizado y abarrotado de matices que solo en múltiples escuchas se podrán descubrir. Un bendito disco cuyo single ‘Two Weeks’ lo eleva de por sí a la definición de obra maestra. Os pongo una de las canciones del año:

Y qué decir de Animal Collective. Era de conocimiento público el calibre de los temas que durante todo el año pasado habían estado presentando en directo, y el lanzamiento hace más o menos un año de la versión grabada mediante filtración solamente hizo confirmar la categoría de este magistral disco. Poco merece la pena hablar de él, porque es tiempo que se pierde de su escucha y degustación. Simplemente mencionar el parque de atracciones musical que Tare, Lennox y Geologist se han montado ha estado en repeat durante meses, y lo escucho mientras escribo estas palabras sin pizca de desgaste. Maravilloso entre otros ‘Summertime Clothes’ que cierra la selección de canciones de este post:

Poco más que decir de este 2009 sin entrar en nimiedades. Un año como dije interesante, productivo y esperemos que un buen aperitivo de un 2010 que pinta genial en sus inicios con los regresos de Final Fantasy (ahora Owen Pallett), Spoon, Liars, Vampire Weekend, Thom Yorke y otros más. Aquí esperamos con los brazos abiertos lo que queda por venir.

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Mi estreno en el Festival de Cine Fantástico de Sitges no pudo haber sido más certero, modestia aparte. La verdad es que el fugaz paso por la localidad sólo me ha valido como toma de contacto de lo que suele terciar en esta cita cinéfila anual: gafapastismo a raudales por las calles de un pequeño pueblo costero, que observa como bares y cafeterías son literalmente saqueados en pos de la salud mental de los asistentes.

Hablo de puntería por la simple razón de que la única película para la que he podido adquirir entradas a tiempo ha sido justamente la gran ganadora de esta edición. Una justa decisión a mi parecer, pese al desconocimiento que sufro respecto a la mayoría del resto de películas proyectadas. Sin embargo, me aventuro a pensar en justicia habida cuenta de que ‘Moon’ es, sin lugar a dudas, una gran película de ciencia-ficción. Duncan Jones ha hecho un notable trabajo aprovechando los recursos con los que contaba, que no eran muchos, para relatar una historia que ahonda en las dudas existenciales más clásicas del género.

Porque aquí estamos hablando de una película de género en el sentido más puro, sin adulterar con escenas de acción o aventura como se ha estado haciendo desde hace algunas décadas para llamar la atención del público general. Simplemente se trata de un ejercicio de demostración hipotética, de un experimento bien ejecutado que podrá fallar para algunos en su conclusión pero al que no se debe cuestionar su eficacia hacia el espectador.

En ‘Moon’, Sam Rockwell encarna a Sam Bell, un operario que trabaja en la Luna como mero vestigio de la labor humana en la recolección y procesado de la energía. La Tierra está tan lejos como siempre, pero durante tres años el protagonista ha vivido un hastío cada vez mayor estando alejado de los suyos. Ni siquiera su única compañía, una inteligencia artificial llamada GERTY (con voz del actor Kevin Spacey) ha podido llenar un vacío que tampoco acaba por olvidarse en las muchas tareas con las que Sam trata de pasar el rato: desde hacer ejercicio a fabricar maquetas de catedrales, cuidar bonsais o jugar al ping-pong.

Independientemente de la lógica de mantener un elemento humano rodeado de máquinas previsiblemente autosuficientes y funcionales, la base del argumento explora al principio cuestiones sociales inherentes a la ciencia ficción: la soledad del astronauta, la desaparición del alma en la era de la robótica, la alienación del individuo como mera herramienta. Sin embargo, la reflexión adquiere una nueva perspectiva cuando Sam sufre un accidente en el exterior de la base, fruto de las alucinaciones que ha ido sufriendo progresivamente. No es cuestión de explicar el giro argumental que de todos modos ya aparece en el trailer, pero que hará gozar más de la trama desde su desconocimiento.

A partir de dicho giro, explicado de forma gradual a medida que continúa el metraje, los interrogantes van cambiando a algo más terrenal y relacionado con la supervivencia del protagonista. Se aborda también un debate ético que no conviene mencionar para no estropear la sorpresa, pero que queda bien resuelto y en el que sobre todo ayuda la espléndida actuación del único protagonista humano del filme.

Pero no es solamente homenaje a la ciencia ficción en un sentido narrativo el que nos ofrece este ‘Moon’. Artísticamente transpira desde el primer segundo el saber hacer de los efectos especiales clásicos y la recreación de vehículos y tecnología no es profética sino hasta anticuada en algunos casos. El empleo de maquetas para las escenas exteriores (en secuencias un poco alargadas, por ponerle algún pero a la película) coloca al debut de Duncan Jones al menos treinta años atrás respecto a otros títulos contemporáneos. Y la verdad es que es incluso refrescante contemplar una película descaradamente de cartón piedra entre tanta CGI que muchas veces es menos realista que lo que vemos aquí.

Resaltar finalmente la impecable banda sonora de Clint Mansell, a mi gusto una de las mejores de este 2009, que no sólo ambienta sino que define por sí misma el tono completo de la película y en esencia resulta igual de embriagadora que las imágenes frías aunque poéticas que abarrotan muchos de los minutos de ‘Moon’. Una película de marcado acento revisionista que debería encauzar de nuevo al género de la ciencia ficción hacia la búsqueda y resolución de cuestiones existenciales; algunas más cercanas a su resolución empírica de lo que nosotros creemos…

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Elliot es un joven con un incierto pasado bohemio que regresa a la tierra de sus padres, White Lake, para ayudarles a levantar su negocio: un pequeño motel condenado a desaparecer. En principio sus ideas modernas no funcionan muy bien con la nula dinámica del establecimiento, pero un arrebato le llevará a convertir el rincón de sus padres e incluso el pueblo entero en el centro del Universo durante tres días.

Ang Lee da la vuelta a la cinta y a la historia, que muchos conocemos gracias al filme de Michael Wadleigh, sobre el festival de música más importante del siglo XX. Y lo hace contándonos algo que nada tiene que ver con los artistas que allí se dieron cita, ni con los más de medio millón de jóvenes que allí se congregaron para darse un viaje en el más amplio de los sentidos. El taiwanés construye una película hablando de su organización y de las pequeñas desventuras que albergaron los que menos se esperaban tener algo así tan cerca.

Este cambio de perspectiva le ha valido al director no pocas críticas de aquellos que auguraban una mayor presencia del fenómeno cultural que supuso Woodstock. Un acontecimiento irrepetible en términos de asistencia, potencia y calado de los temas que se interpretaron allí o el misticismo de la experiencia para una generación que nació y murió en aquellos prados, más adelante barrizales, varias veces en un larguísimo fin de semana. Hubiera sido optar por la vía más condescendiente pero la empresa habría acabado siendo inviable por presupuesto y además, porque no hay necesidad de reflejar algo que ya se pudo ver en total intensidad con “Woodstock: 3 días de paz y música”.

En “Taking Woodstock” el relato se centra en la progresiva dominación de los ideales sobre la idea de negocio desde la que se gestó el festival. Un espectáculo que, pese a negociaciones sobre precios y hombres encorbatados buscando la mayor rentabilidad a su inversión cultural, acabó yéndosele de las manos a todo el mundo para transformarse en un ente vivo; el corazón de un movimiento humano quizá errado desde la base, pero hermoso mientras hubo fe en la victoria del amor sobre el resto de fuerzas del universo. Una idea que, mediante desvaríos visuales creados por el cada vez más notable estudio yU+co, cobra total sentido al ritmo del precioso folk psicodélico de Love; una de las escenas, por otra parte, más despegadas de la propia dinámica del filme.

Porque quizás ese es su principal problema. Para un mensaje tan profundo como el que descansa en la película, sorprende la levedad con la que Ang Lee lo ha transmitido. En la práctica, “Taking Woodstock” se muestra torpe en el arranque y justo cuando comienza a despertar nos topamos con un desfile de personajes y situaciones, simpáticos y despreocupados eso sí, pero con poco empaque y algo desaprovechados. Destacar en todo caso a la histriónica madre del protagonista y a un irreconocible Liev Schreiber como ex-marine guardaespaldas travestido dando el punto almovodariano al argumento.

Aunque realmente cuenta con pasajes destacables (como el citado viaje de ácido o la secuencia a lo largo de una cabalgata de hippies camino del festival) y el resto se deja ver sin aburrimiento, da la impresión de película fallida que acaba igual que empieza. Porque como los restos del festival recogidos por los voluntarios, todos se retraen para ser los mismos y regresan a su pasado, de bohemia o de austeridad, sin percibir muchos cambios. Puede que en eso consistiera Woodstock, en el canto de cisne de un fenómeno que no se volvería a repetir, pero para un servidor que sabe que jamás lo podrá vivir, esta película es como mirar un día soleado tras un cristal lleno de polvo. En definitiva, un merecido visionado con un mensaje positivo, pero sin mayor perspectiva del profundo encanto de Woodstock’69.

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Quentin Tarantino, el director por ósmosis, el artista del ‘copypasta’ y nunca suficientemente controvertido en la definición de genio. A finales de los noventa y principios de la presente década, tras completar su primer trío de películas, nos lo encontramos en la que es su época más fértil como guionista y en la que mayor número de caminos se le abren. Entre ellos quedan pospuestos varios proyectos, algunos de modo indefinido (los Vega Brothers) y otros con la promesa de ser retomados en la siguiente hornada de producción. ‘Inglorious Bastards‘ siempre ha tenido un lugar en este segundo grupo y durante estos diez últimos años ha sido rehecha, abandonada a su suerte y vuelta a coger en más ocasiones de las que merece la pena explicar.

El director y guionista supo siempre que esta historia ambientada en la Segunda Guerra Mundial iba a llevarle más de un quebradero de cabeza. Primero porque aunque se perfilaba en los cánones de otro de sus géneros favoritos, iba a ser más difícil de llevar a la gran pantalla que una película de gánsters situada en un pasado más reciente; y segundo, porque a medida que se iba reescribiendo la historia de ‘Inglorious Bastards’ el resultado era más épico y desquiciado, como hemos llegado a comprobar en la versión final que ha llegado a nuestras pantallas.

Los ‘Malditos Bastardos’ a los que hace referencia el título son, para entendernos, el grupo de guerrilleros renegados que no juega a la guerra siguiendo las normas por la sencilla razón de que el enemigo tampoco lo hace. Aunque su principal cometido es torturar y exterminar nazis para infundir miedo, se les presenta la misión más importante posible delante de las narices. Sin embargo, aunque a priori la idea de matar a Hitler podría ser entendida como el plan maestro de esta banda de desalmados, son ellos los que menos colaboran en su ejecución.

Como en toda historia de Tarantino, el desarrollo episódico va en paralelo y el final de los acontecimientos surge tanto por colaboración de un bando como de otro, desembocando en una orgía de violencia y amor al séptimo arte propia del cine italiano que parió “Quel maledetto treno blindato”, una de las principales entre las muchas influencias de la película.

Y es que hay mucho cine condensado en ‘Inglorious Bastards’. La película se mueve continuamente entre la línea del homenaje y la reutilización más descarada, y no sólo lo hace con títulos clásicos y de culto de su historia, sino también de la propia filmografía de Tarantino. El de Knoxville ha echado mano de canciones de bandas sonoras previas, de una estructura narrativa muy similar e incluso de planos calcados (me refiero por ejemplo a los planos cenitales idénticos en el restaurante japonés de Kill Bill Vol. 1 y en el cine en la presente cinta) Pero esto del copia y pega no creo que pille a nadie sorprendido…

Lo que sí que debería causar temor, sobre todo entre los más acérrimos fans del director, es el ya considerable abuso del parlamento en sus interminables escenas, no como un medio para alcanzar un propósito sino como un fin en sí mismo. Es como si el director, mediante los labios de los propios actores, nos soltara monólogos pesadísimos sobre cosas de las que se ha ido dando cuenta a medida que escribía el guión.

No recuerdo un filme de su carrera en el que hayan hecho menor mella los diálogos en el desarrollo de sus personajes, con excepción de un impresionante primer acto en el que es el espacio escénico y el juego de planos y luces el que aporta la tensión y la información necesaria en cada momento. Cuenta también para ello la actuación del inquietante Cristoph Waltz en su papel de Hans Landa, netamente por encima de un Brad Pitt despreocupado y simple, o incluso de una Mèlanie Laurent guapísima pero más desaprovechada de lo que parece.

No quiere decir lo anterior que ‘Inglorious Bastards’ sea una película aburrida o que no llegue a ninguna parte. Incluso su bizarro revisionismo histórico no es más que parte de la maquinaria de entretenimiento sin prejuicios que propone. Sin embargo, su duración inflada en exceso acaba pesando en muchos espectadores, los cuales por otro lado echarán en falta puntos que hubiera sido interesante tratar: ¿qué opinión merecen los Bastardos a las fuerzas de la Alianza? ¿no caen en los mismos errores que sus enemigos al matar indiscriminadamente? Quizás sean cuestiones de relleno para quienes busquen la simpleza de los géneros que rescata Tarantino, pero también se ha demostrado que en su cine existen los valores, y siempre es mejor tratarlos que pasar tres horas rascando en la superficie.

‘Inglorious Bastards’ es por tanto una película enorme en unos aspectos, pero que pide perfeccionarse en otros y no lo consigue. Pero es en cualquier caso una copiosa sesión de entretenimiento de calidad, que no sentará bien a muchos pero que tiene algo que otros tantos buscan en las grandes salas y no encuentran: personalidad. Aunque eso sí, al contrario de lo que esperaba, no me parece que levante un muro tan grande entre el amor y el odio como lo hicieron sus anteriores cintas. Veremos cómo la trata el tiempo por esto.

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Habréis notado los pocos visitantes de La Biblia Intermitente que durante el mes de agosto las nuevas publicaciones han brillado por su ausencia. No voy a negar que me vino bien para descansar, pero al fin y al cabo fue un hecho circunstancial. No como ahora, que por razones personales me veo obligado a hacer un hiato indefinido pero que seguramente tendrá un final más pronto que tarde.

Aprovechando el “hasta pronto” he decidido recopilar algunas notas breves sobre el resto de series de la pasada temporada que he completado (o casi) y que poco a poco os pueden servir de bisagra entre tanto estreno y gran retorno que se nos viene encima durante este mes de septiembre y hasta el próximo enero en el que la ‘mid-season’ (con la última temporada de Lost como caballo de batalla) os quitará del todo vuestro tiempo empleado en ver series. Voy a ir cronológicamente desde la más antigua en estrenarse a la más reciente en acabar.

Breaking Bad (S2)

No hace falta mirar mucho la programación de las cadenas estadounidenses para saber que las familias que traspasan la línea de la legalidad para salir adelante son un tema recurrente. Cada cadena tiene su pequeña historia de drogas, extorsión o prostitución enterrada en los bajos de los pequeños núcleos urbanos y que remueven los cimientos de la estructura social norteamericana.

Breaking Bad partía en 2008 de ese planteamiento, pero a medida que se ha ido desarrollando en su segunda temporada, hemos visto más allá en la historia personal de Walter White, el profesor con cáncer que ha de recurrir a la producción de metanfetamina para costearse su tratamiento.

Al final el cáncer es lo de menos; en los trece capítulos de este drama creciente como las mejores historias de los hermanos Coen, hemos descubierto hasta dónde pueden llevar las mentiras y cómo la droga destroza las vidas incluso de quienes pretenden lucrarse con ella. Quizás su final, por tantas expectativas creadas, se resuelve de modo sorprendente aunque insatisfactorio. Pero lo que está claro es que hasta llegar a él hemos pasado por una historia bien contada, que se toma su tiempo en hacerlo y no da nada por sentado. Muy buena serie pero esperemos que no tarde en resolverse del todo, para bien o para mal.

Mad Men (S2)

Con la tercera temporada aún en pañales, he podido revisar la continuación de esa primera críptica visita a las oficinas de Sterling-Cooper. Algo me decía que iba a perder su encanto porque conocíamos ya prácticamente a los personajes y la trama iba a continuar sus vicisitudes de modo más morboso que con sus elegantes presentaciones cargadas de elipsis.

Afortunadamente la serie no sólo sigue entera en sus formas sino que añade nuevas perspectivas a sus muchos personajes, empezando a perfilar algunos secundarios que quedaron un poco olvidados en los primeros episodios. En lo que respecta al trato profesional, se acerca el mundo de la publicidad al presente y observamos una evolución que ya era patente en su época. También es cierto que salvo la primera parte de la temporada, las tramas relacionadas con el trabajo ocupan más tiempo pero menos importancia en la historia general que se nos cuenta.

Mad Men ha conseguido pulir sus aristas: ahora es una serie igual de inteligente que como nos consiguió enganchar desde el principio, pero se hace mucho más fácil e interesante seguirla.

Damages (S2)

La maravillosa primera temporada de Damages rizó el rizo de la ficción sobre abogados mostrándonos en sus trece episodios toda clase de escenarios salvo el más reconocible: la sala del juzgado. Simbólicamente, la segunda temporada de esta serie protagonizada por Glenn Close comienza a morir en el momento en que una de sus escenas clave tiene lugar en un estrado, en una sala luminosa de grandes ventanales y muebles de madera impoluta. La imagen estereotípica del diorama judicial que tenemos todos.

Esta continuación ha dado una mala impresión, como si a lo largo de sus capítulos se hubiesen hecho varias correcciones al vuelo sobre el planteamiento inicial de la temporada. Los elementos de éxito se han querido mantener para no desenganchar a sus seguidores, pero los flashforwards en que se sustenta la narración son tramposos (en el mal sentido) e insípidos, los secundarios que regresan no tienen mucho que hacer (salvo Uncle Pete) y los nuevos personajes son planos y hasta predecibles. Y en una serie como Damages eso es lo peor que puede ocurrir.

Lamentablemente si la tónica sigue igual para la tercera estaremos ante una pequeña obra maestra de la ficción convertida en una serie más de género. Una decepción notable.

Dollhouse (S1)

No me queda clara mi postura para la primera temporada de lo nuevo de Josh Whedon. De entrada la serie es lo que es, ciencia ficción ligera con episodios autoconclusivos y un hilo fino a lo lejos que poco a poco llegamos a ver.

Los primeros episodios ponen el listón muy alto en banalidad, se hace muy pesado ver cómo se desperdician capítulos cuando hay mucho jugo que sacar en el propio planteamiento: una empresa que se dedica a utilizar seres humanos reprogramables para misiones de todo tipo, pero que no sospecha que su integridad está amenazada desde varios frentes y casi todos ellos dentro de sí.

Sin embargo es a partir de la mitad de temporada cuando se abandonan dichas misiones sin sustancia y la historia cuenta más sobre la conspiración y el pasado de los personajes. Además sube el nivel en aspectos narrativos, es original y hasta engañosa. Los protagonistas, por otro lado, son habituales de las producciones de Whedon; hay obviamente una buena cantidad cebo para fans.

¿Merece la pena ponerse a ver Dollhouse entonces? Sin dejar de considerarla un producto casi de segunda división, está claro que nos hemos tragado tordos mucho peores que éste. Además, aguantar los primeros capítulos tiene su recompensa en forma de grandes episodios (algunos de los mejores de la pasada temporada en su género) La cuestión es si para la segunda que se estrena en breve sabrán corregir sus errores. No lo tienen fácil con un pie ya en la tumba de las series.

United States Of Tara (S1)

Hace poco hice el revisionado del estreno en el formato televisivo de Diablo Cody. Una cosa que me quedó clara desde la primera vez es que cuando hablas de una madre con un severo trastorno de personalidad múltiple, lo normal sería centrarte en ese personaje y que fuera el eje de la serie junto a sus alter-egos. Por fortuna nos encontramos con una serie en la que sus secundarios destacan (especialmente su marido).

United States of Tara no es una serie perfecta, padece un mal muy común de las series actuales y es que le cuesta arrancar. Hay cuatro o cinco capítulos con pequeños arcos argumentales e historias para presentarnos a los personajes, y es desde entonces cuando se disfruta realmente del conflicto, el que hace que esperes los últimos episodios como si tu vida fuera en ello.

En cualquier caso, obviando mentar la espléndida actuación de Toni Colette en sus variadas personalidades, sorprende que una serie cuide tanto esas pequeñas historias de fondo como la del hijo que ingresa en un grupo de teatro cristiano para acercarse amorosamente a su compañero de clase, o el extraño romance de su hija con un perdedor encargado de un restaurante franquiciado. Todo un poco inverosímil pero cada vez más entretenido. Esperamos la siguiente temporada con inquietud.

Psychoville (S1)

Extraña incluso para la ficción británica que tanto suele apostar por historias nunca vistas, esta serie ha heredado bastante del humor negro de The League Of Gentlemen; algo normal habida cuenta de que sus dos creadores fueron parte del núcleo creativo de dicha serie.

En sus siete primeros capítulos seguimos en paralelo las vidas de seis personajes de lo más variopinto, que a priori solamente tienen en común su aspecto y conductas aterradoras, pero que debido a las amenazas escritas de un tipo misterioso se reencuentran con un pasado común y un incierto destino. Se toca un poco de todo: desde el payaso sucio y malhumorado al enano con poderes telekinéticos, pasando por la pareja madre-hijo sacada directamente de los fotogramas de Psicosis. Por separado todos tienen que descubrir (o igualmente lo harán de manera fortuita) qué página desgraciada que arrancaron de sus vidas les regresa para arruinarles la vida.

Mención especial para el cuarto capítulo, que rompe con el esquema de la serie para ofrecernos una historia relacionada de asesinato, rodada en un falso plano secuencia de media hora. Una joya de la ficción reciente que se puede ver sin seguir el resto de la temporada y que devuelve el espacio escénico más clásico a la televisión.

Nurse Jackie (S1)

De nuevo las drogas. De nuevo los hospitales. De nuevo la familia. Hay que reconocer que Nurse Jackie no partía con un planteamiento previo muy bueno. Que viniera de Showtime y lo protagonizara la esposísima Soprano, Eddie Falco, eran nuestros únicos avales. A pesar de todo, ninguno de los tres aspectos ha arruinado la serie y nos ha entretenido este verano con lo que a fin de cuentas es una reflexión sobre la ética en todos los aspectos de la vida.

Jackie es un caso de estudio. Es una experimentada enfermera pero esnifa Vicodin cuando está a punto de derrumbarse; es una afectuosa madre y cónyuge pero mantiene una aventura con el responsable de farmacia que le suministra sus drogas favoritas; y es una pasional amante pero vive en una mentira y se plantea si su affair no es sino una manera de acceder a lo único que ha conseguido que no se vuelta loca de remate. De cara a la galería es un personaje ejemplar, sin embargo cabe cuestionarse sus métodos. ¿Lo notas? Es ese cosquilleo entre las sienes que ocurre cuando algo te hace pensar…

Pero Nurse Jackie tiene más puntos interesantes. Sí, tiene muchos secundarios de manual, hijos bastardos de Ally Mc Beal o Sexo en Nueva York. Pero también tiene alguno que otro (me refiero con claridad cristalina a la naïve Zoey) que merece mucho la pena. La mayor pega que veo a esta serie es que no avanza muy ligera y se va estancando poco a poco, desde su brillante comienzo hasta un final poco claro y algo perturbador. Es en cualquier caso un ligero entretenimiento, de corta duración y la dosis justa de reflexión, para las épocas de sequía televisiva. Que las habrá.

True Blood (S2)

Sentimientos enfrentados a falta de un capítulo para resolverse la segunda temporada de criaturas de Alan Ball. HBO ha encontrado la serie que, sin arriesgarme mucho en mis predicciones, le va a aportar mejores audiencias y más ingresos a la cadena en su historia (sin contar las retransmisiones de eventos deportivos y películas a la carta) Así es normal el cambio de un producto que, dentro de un estilo particular, es más “para todos los públicos”.

Resalto las comillas porque si en algo ha sabido evolucionar True Blood ha sido en su brutalidad. La serie es más sucia, más irreverente y sobre todo más primitiva. Gran parte de culpa la tiene el ya inolvidable personaje de Maryann Forrester, que induce a la desconfianza al principio y justamente se hace más imprescindible cuanto más conocemos sus intenciones.

Pero también percibo que, en favor de la audiencia, se ha potenciado el “factor teenager” de los protagonistas. Ocurre que muchas veces el argumento queda en segundo plano por detrás de los personajes, y eso hace que un buen trecho se haga aburrido, sobre todo entre el cuarto y octavo episodio. No hace falta que enumere las muchas obras que cometen los mismos errores porque al fin y al cabo es lo que les pide su público. Les interesa agradar a su audiencia con el canon de la historia y a la vez si generan fanfic tienen un plus ganado.

Pero con True Blood esperamos siempre ese algo más, ese desarrollo de la trama que no sea sólo un escaparate de vampiros, polimorfos y demás fauna con poderes brillantes y cuerpos perfectos. No se puede negar que nos lo hayan dado de manera mínimamente satisfactoria, pero el rumbo que está tomando esta serie va a hacer que muchos acabemos diciéndole adiós con tristeza. Porque al fin y al cabo, sigue siendo una serie muy bien hecha.

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Scott Pilgrim está de camino a la fama por varios motivos descritos en el artículo anterior. Lo más reciente que se sabe sobre este personaje es que la adaptación de sus andanzas a la gran pantalla por parte de Edgar Wright ha terminado de rodarse hace escasos días y ha entrado en fase de postproducción. Esperamos por las imágenes vistas un buen grado de fidelidad y, aunque ya se ha leído por ahí que las peleas van a cobrar más importancia, que no se olviden de que esta historia es sencillamente la de una pareja que quiere salir adelante.

Scott Pilgrim vs. The Universe supuso el pasado mes de febrero el final de un parón que se había hecho eterno para sus fans. Más de un año había pasado desde que Bryan Lee O’Malley publicara el cuarto volumen de esta serie llamada a ser un clásico del cómic independiente, y la cosa pintaba calentita como aperitivo del que será el gran final de la historia el próximo año. En efecto, O’Malley parece haber querido dar un tono más adulto a la historia coincidiendo con el vigésimo cuarto cumpleaños de su protagonista.

Dejamos a Scott viviendo con Ramona tras tener que abandonar el apartamento compartido con Wallace Wells. La vida parece irles bien, aunque la sombra de los últimos ‘bosses’ que forman “La Liga de los Ex-Novios Malvados de Ramona” trae un poco de cabeza al muchacho, no por los apasionantes combates que se nos antojan, sino por qué va a ser de la pareja una vez se acabe la lucha. Mientras tanto, Sex Bob-Omb parece haberse tomado un descanso indefinido mientras da forma a su primera maqueta: aspiración que no parecen compartir todos los miembros del grupo.

En este contexto aparecen los miembros quinto y sexto de La Liga: “Los Gemelos”, dos japoneses hermanos que son claro homenaje de Billy y Jimmy (protagonistas de Double Dragon). Son ingenieros y se dedican a construir robots que mantienen repentinas y poco oportunas peleas con Scott durante la primera mitad del volumen. La aparición de estos personajes, lugartenientes del mismísimo Gideon (el ex-novio definitivo), en principio no parece hacer mella en Ramona. Sin embargo será una revelación de la joven Knives Chau, la que comerá por dentro la mente de la chica del pelo de colores. Es mejor no contar más, pero lo que está claro es que pese a que Scott tiene cualidades de sobra para ganar cualquier combate, hay desafíos a los que no parece estar preparado…

Scott Pilgrim vs. The Universe es el más maduro y amargo de los volúmenes y el que menos se centra en las peleas: a pesar de que en número superan a cualquier otro, siempre quedan en segundo plano en favor de la historia personal entre Ramona y Scott, que parece encaminarse a un trágico final previsto por todos los personajes menos por ellos. Quiero hacer mención además al personaje de Kim Pine, que realmente se luce en este fragmento de la historia y es la que más se hace querer, pese a toda predicción por su frío carácter.

El arte de Scott Pilgrim evoluciona también un poquito más en este número 5, mostrando escenarios muy detallados y un uso audaz y original del espacio en la página. Inteligentes y muy curiosos recursos como colocar los bocetos a carboncillo de las viñetas para representar malas versiones de escenas ocurridas en capítulos anteriores, ayudan a que el lector se haga cómplice de los ya abundantes ‘running jokes’ que posee esta obra. Y por no extenderme de nuevo con el manido tema de las referencias a videojuegos, tan sólo haré mención al hecho de que Scott logre por fin su primer Logro Desbloqueado, típica frase que conocerán los usuarios de una XBOX360.

Contengo las manos para no escribir nada sobre el final de este volumen, pero está claro que pone mucho en juego para un último libro que va a ser emocionante, pero que no podremos disfrutar (en inglés) hasta los primeros meses de 2010. Cabe mencionar que la película, al estar acabada antes que el cómic, tendrá un final distinto. De momento este artículo es el último de una serie que comenzó en mayo y que espero que os haya hecho picar para probar con este excelente cómic, fiel reflejo de una generación. Para terminar os dejo con una lista de Spotify con temas elegidos por Brian O’Malley y algunos de predilección personal, ideales para encuadrar en el mundo de Scott Pilgrim. Nos vemos en el siguiente nivel…

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Pues sí, ya es un hecho: Scott Pilgrim aparecerá el próximo mes de octubre en España. Concretamente lo harán sus dos primeros volúmenes el 9 de ese mes de la mano de la editorial Mondadori, aunque habrá que ver en qué formato y si se ha respetado mínimamente la traducción. Este lanzamiento de “Scott Pilgrim, su vida y sus cosas” y “Scott Pilgrim contra el Mundo” se une así al del videojuego que ocurrirá el próximo año a manos de Ubisoft Montreal y de la película que, según se puede ver en el blog de Edgar Wright, va viento en popa y cuyo rodaje finalizará próximamente.

Pero vamos a centrarnos en el cuarto volumen, aparecido a finales de 2007 con el título de “Scott Pilgrim Gets It Together” y que significa algo así como “Scott Pilgrim sienta cabeza”. Un título muy descriptivo e incluso podría decirse que revelador de cómo se van a ir desarrollando los acontecimientos en este tramo de la batalla de Scott por llegar a madurar y encontrar su lugar en el mundo con Ramona.

Dejamos a Scott con tres de sus enemigos derrotados, de los siete que componen la Liga de Ex-Novios Malignos de Ramona. Han pasado los meses y el verano se ha posado en Toronto, de tal modo que iniciamos la historia con un prólogo a color el último fin de semana de julio (ya es casualidad) en la playa durante el cumpleaños doble de Stephen Stills y Julie Powers. Este ’slice’ no es muy relevante para la historia pero me reservo la sorpresa de ver cómo acaba el excesivo consumo de alcohol en el grupo, una tontería que puede traer cola más adelante…

Ya entrados en Agosto, Scott y su compañero de piso Wallace Wells deciden ir a ver a su casero para pagarle las últimas mensualidades. Mientras tanto, puede ser por el calor o por un empujón de sus amigos, nuestro protagonista se arma de valor y empieza a buscar un trabajo con el que poder acompañar de dinero su bolsillo lleno de pelusas. Durante una mañana ociosa en un centro comercial se encuentra además con Lisa Miller, la muchacha que aparecía en el flashback del segundo volumen y que estaba colada por él.

Varias cosas están cambiando en el mundo de Scott, y no todas tienen que ver con Ramona. En muy poco tiempo el muchacho va a tener que afrontar varias dificultades y quién sabe si estas significarán el primer topetazo serio entre la pareja protagonista. Además, y por si todo eso no fuera poco, dos misteriosos personajes armados con espadas y de fuerza descomunal van a intentar matarle por todos los medios. ¿Será alguno de ellos el cuarto ex-novio de Ramona? ¿Serán los dos? ¿O quizá ninguno?

Como ya he dicho, los desafíos a los que se enfrenta Scott son muy diferentes y por eso la historia es más larga que de costumbre (la entrega más voluminosa hasta la fecha) y la narración salta de escena a escena con velocidad. Casi deja al anterior volumen como monótono, y siguen creciendo las referencias a videojuegos cada vez más mezcladas en la trama: en esta ocasión destacan los sueños recurrentes de Scott muy al estilo RPG, con encuentros aleatorios de enemigos, y la subida de experiencia que obtiene varias veces y que desemboca en un sorprendente final.

El estilo de dibujo sigue siendo el característico de O’Malley, el que ha venido desarrollando en los tomos anteriores y, salvo leves diferencias, también en Lost At Sea. Claramente inspirado por el manga, guarda también parecido con los diseños infantiles de los nuevos animadores norteamericanos como Tartakovsky o McCracken. Sin entrar demasiado en el detalle e incluso abusando de halftones y ampliaciones criminales, parece que va cogiendo el punto a los personajes y sabe colocarlos en los escenarios, y domina la acción a través de las viñetas, que se presentan más ágiles que nunca.

No cabe duda de que el volumen que inicia la segunda mitad de esta historia parece conducir a los personajes, a sus acontecimientos y al propio cómic a otro nivel. De momento es el mejor de los editados hasta entonces y lo es con mucho. Veremos el mes que viene si el quinto volumen (publicado el pasado febrero), o si el año que viene cuando se estrene el sexto y último, ese honor se desvanece. La cosa pinta bien por ahora…

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Estamos metidos en verano, una muy buena época para la música. El ánimo aumenta, los conciertos proliferan y los momentos que queremos guardar de esta estación muchas veces se esconden detrás de canciones. Durante los últimos años he venido asociando discos al verano y reventándolos durante unos pocos meses a sabiendas de que no serán obras maestras pero se dejan escuchar muy bien al aire libre: son desde el From Here To There de Girls In Hawaii al The Slow Wonder de AC Newman, en 2003 y 2004 respectivamente, o sin ir más lejos, el Open Letter To The Disappeared de The French Semester el año pasado.

Este año y desde hace unos meses (aunque en Europa aparecerá bajo el sello Morr en agosto) ese título se lo ha ganado el debut de Michael Benjamin Lerner, que desde Seattle nos ha traído un álbum de pop guitarrero muy recomendable. Dado a conocer a través de un EP de muy limitada distribución, su banda llegó a los oídos de Chris Walla, guitarrista de Death Cab For Cutie, quien se comprometió a producir su primer larga duración.

La música que encontramos en Telekinesis! es, a pesar de los orígenes de la banda, tremendamente europea: influida por la calidez de la melodía propia del pop británico y francés, con claros ejemplos como el single “Akward Kisser“, una breve pieza de poco más de minuto y medio con la voz reverberante de Lerner refrescando el ambiente.

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Sin embargo, la mano de Chris Walla en la producción se nota y mucho. Las guitarras inundan sus hits más inmediatos como “Coast of Carolina“, “Tokyo“, “All of a Sudden” o “Foreign Room” y convierten este disco en un claro exponente del indie de los 90.

Quizás ahí reside tanto la lacra que arrastra este disco como su propio encanto, porque si bien está claro que se mete de cabeza en un género simplón y trillado hasta decir basta, es lo suficientemente listo como para copiar sus mejores cualidades y deshacerse de lo malo. De ahí que haya poco que despreciar de los once temas que componen este álbum. Además, por si éste se hiciera corto, en la edición que nos va a llegar a nosotros tendremos a cambio de la espera unos cuantos temas de bonificación, incluida una toma de “Coast of Carolina” tal como fue concebida antes de formar parte del LP, y algún que otro tema del EP previo del grupo.

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Desde luego este disco no ha descubierto la pólvora. Es genérico hasta la médula pero hay en él muy poco o nada a reprochar y sí mucho que disfrutar de sus pegadizas canciones. Os recomiendo su escucha en los lugares más calurosos de la geografía española para paliar un poco los efectos de este verano asesino que estamos pasando. Para todo puede servir la música.

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Telekinesis – Coast of Carolina

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No voy a justificarme sobre los motivos por los que ha llegado a mi casa procedente de Holanda un Macbook Pro de 13 pulgadas. Tampoco creo que los encontrara si me pusiera a buscarlos, aunque llegado el momento me encontrarán ellos a mí. Voy a desplazarme a Barcelona para vivir, estudiar y espero que trabajar a partir de dentro de mes y medio y mi iMac se me hace demasiado grande y pesado para acompañarme en esta nueva etapa de mi vida. Al menos al principio. Así que he decidido complementar este cambio con un nuevo equipo que he recibido hace escasos días y que está siendo la niña bonita de esta casa de maqueros. Porque si algo ha llegado con fuerza en estas cuatro paredes desde hace casi seis años ha sido la manzana mordida.

Este es el segundo portátil que entra por la puerta con la marca de Cupertino y el anterior es un vetusto aunque completamente funcional iBook G4 que ha pasado a manos de mi madre y a convertirse en el mediacenter de todos los vídeos y series que se emiten en el salón. Esta labor ardua puede ser suficiente para un equipo antiguo que aguanta las embestidas hoy en día pero, ¿qué se puede esperar de un portátil moderno en estos tiempos? La llegada de los netbooks ha sido demoledora y Apple parece vivir en una burbuja en la que sus portátiles de más de 1000 euros son la única solución aceptable aun en tiempos de crisis para llevar el equipo informático allá donde vayamos. Lo gracioso es que los números parecen darles la razón.

Este nuevo Macbook Pro fue pesentado a principios del pasado mes de junio durante la feria internacional que todos los años suele llevarse a cabo de cara a desarrolladores, la WWDC de San Francisco. En ella se renovó la gama portátil de la compañía, dejando algo marginado al actual Macbook a secas, que pasa a ser fabricado únicamente en plástico y con algunas limitaciones de hardware como menos puertos, pantalla de menor calidad y una batería de menor duración aunque extraíble.

El Macbook de aluminio de 13 pulgadas presentado el año pasado, no obstante, ha pasado a llamarse Macbook Pro y ha añadido algunas diferencias más. Ahora comparte las características externas de sus hermanos mayores de 15 y 17 pulgadas: algunas buenas como el añadiddo de puertos Firewire 800 y de ranuras para tarjetas de memoria (ahora por fin Secure Digital) y otras no tan buenas como la batería no reemplazable que aun así aumenta su duración a las 7 horas y sus ciclos de carga nada menos que a 1000. No vamos a negar que los añadidos son considerables pero por ese lado hay poco que elogiar, era un paso natural.

Lo que sorprende de primeras de este nuevo Macbook Pro es la tan publicitada elaboración del armazón que lleva dentro una estructura competente aunque no de última tecnología. Se ha denominado al proceso ‘unibody‘ porque para tallar las piezas, el proceso de modelado parte de un bloque entero de aluminio, por lo que se puede aprovechar mejor este material y optimizar el espacio dedicado a los componentes internos. Este proceso de fabricación es el que desde hace tiempo se había estandarizado para los automóviles. El resultado es incontestable: al coger por primera vez un Macbook Pro tenemos una sensación de solidez y ligereza únicas, casi se nos podría pasar por la cabeza que el portátil ni siquiera ha sido ensamblado y se creó directamente así, de una pieza y funcionando.

Las conexiones son las habituales en un equipo de esta gama, con la eliminación de una segunda entrada de audio óptica como punto negativo importante. Ya de paso, uno o dos puertos USB más tampoco le hubieran hecho feo. La salida digital es la ya habitual Mini DisplayPort que poco a poco busca su lugar en los estándares audiovisuales.

Como lleva sucediendo desde los tiempos del primer Macbook Pro, incluye aparte del micrófono integrado una iSight frontal y, salvo en el modelo de 17″ donde es opcional, una pantalla cubierta por un cristal brillante. No voy a entrar en la controversia de las desventajas que tiene profesionalmente, ya que igual que potencia la pureza de los negros y contrastes de color, distorsiona los mismos y se hace difícil trabajar con fuentes de luz traseras. Digamos que está enfocado más a lo vistoso que a lo funcional, pero el panel que se ha montado en esta nueva gama es indiscutiblemente el mejor que haya visto en un equipo portátil y hay maneras de solventar las pocas pegas que se puedan encontrar por el dichoso cristal. Resumiendo este apartado, la pantalla es una razón de peso por la que elegir el Macbook Pro, y no hacen falta mediciones (que las hay) para notar la mejora.

La gráfica que se ha incluido es una ya conocida de la gama portátil, la Nvidia 9400GT, una integrada de 512 Mb que rinde decentemente aunque sin destacar con programas exigentes de retoque fotográfico, edición de vídeo y con juegos recientes si configuramos bien una partición Windows con BootCamp. La comparación con las antiguas integradas de Intel es ya absurda, pero quizá respecto a gráficas dedicadas que se montan en PCs portátiles se queda un poco por detrás, lo cual es algo a considerar para un equipo de su precio. La opción de montar una doble gráfica con la 9600GT no es viable en el modelo de 13″, pero por su rendimiento y consumo tampoco creo que merezca la pena. No obstante, veremos qué tal le sienta al equipo cuando lo actualice a Snow Leopard (la próxima iteración de Mac OS X) ya que es una de las gráficas a las que se le podrá sacar partido para acelerar tareas mediante OpenCL.

Y ya entrando en materia de software, para alguien que viene de un iBook bastante antiguo, la sensación de manejar el equipo mediante Leopard y sus accesos multitouch con el trackpad es una maravilla. El uso de Exposé es muy intuitivo y aplicaciones como Vista Previa, Safari o el nuevo Firefox 3.5, que aprovechan sus características, se usan más ágilmente que con los dos dedos que podíamos utilizar antes. Además la sensación física del trackpad es más apropiada, si bien el click se siente sólo en la parte inferior y perjudica levemente el movimiento del dedo como cursor.

Queda poco más que decir salvo que Apple se las ha arreglado para hacer del Macbook Pro un pequeño “libro” compacto, fácil de llevar, potente y sorprendentemente por encima del look&feel que muchos creen que domina la atracción de sus usuarios. Objetivamente es muy buen portátil, no perfecto, pero sí una gran elección por un precio cada vez más ajustado.

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Ni habíamos entrado al recinto y ya se respiraba el fin del Primavera Sound. La gente se agolpaba en la L4 como si se fuera a acabar el mundo, con su mezcla heterogénea de pulseras de plástico color diarrea insana y de hilo negro con el VIP del prestigio bordado. Ya no había stands que nos ofrecieran probar una muestra de agua anaranjada, a velocidad express pues no se admitían botellas con tapón en el recinto. Ni si quiera había rastro de los lateros más madrugadores, de los que te ofrecen orina carbonatada recién miccionada y envasada para consumo de sobremesa. Éramos mierda aquel último día. Y había que echar el resto en el Fòrum.

Tarjetas de acceso en mano y sin necesidad de contener mucho nuestros instintos consumistas, nos dirigimos al escenario Pitchfork donde tenía lugar la apertura local de la jornada por The Lions Constellation. De camino encontramos a Jason Molina, en atuendo de albañil veraniego, pantalón corto y sandalias, devorando un bocadillo de procedencia sospechosa mientras ojeaba la escasa oferta musical de la hora de la siesta. Es la magia de esas horas impropias en las que uno no sabe hacer cola para el Auditori; los famosos saben que para destacar tienen esos minutos valiosos antes de la masificación, en los que poder lucirse.

El grupo de Vilanova estuvo bastante competente en su actuación, más que Extraperlo el día anterior; a mismas horas aunque cada uno en su estilo. Para quienes no hayan escuchado algo de TLC, su Myspace tiene material de sobra para saber qué hacían precisamente en esa edición: con referentes como The Jesus & Mary Chain, Spacemen 3 o My Bloody Valentine su elección era más que un acierto una cuestión de principios. Despejando con ruido el asueto del público allí presente, pudimos disfrutar de una horita corta creciente, con sus últimos temas bastante rompedores en el escenario, donde parece que están más cómodos incluso que grabando.

Seguimos el cuajarón de modernos al escenario ATP donde Ariel Pink se disponía a desgranar sus bizarradas. Extrañamente o no, las canciones que allí sonaron no despertaban demasiado interés, eran como un chiste contado a destiempo, y solo vimos pequeños grupúsculos de individuos que parecían realmente estar disfrutando bajo el implacable sol de las cinco del espectáculo del andrógino. Porque es así: cuando le prestas más atención a las pintas del cantante (no eran precisamente discretas) y las de sus admiradores, algo está fallando o tu cabeza aún no riega bien por las altas temperaturas. Y es una pena porque está constrastado por sus últimos trabajos que tenía hits para llenar la hora de show sin problemas, pero no rindieron en la práctica.

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El siguiente concierto fue una pequeña y agradable revelación: Shearwater. Compuesto por ex-miembros de Okkervil River como Jonathan Meilburg, presentaron su disco del año pasado “Rook“, injustamente ignorado en la valoración de 2008 y que compensa con excelencia la fuerza y los momentos más delicados, y al que hace mucho bien la voz de Meilburg y la capacidad de multi-instrumentistas de sus componentes. Así fue también en el espectáculo que ofrecieron, donde aparte de hacer lucir en directo temas como “Century Eyes” o “Leviathan, Bound” con la ayuda de Thor Harris (al que apodamos “el vikingo”) dieron alguna lección que otra de español a los foráneos. Parece ser que su líder sabe más de esta lengua que muchos de los que la han mamado aquí desde pequeños.

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Con el sol pegando más tiempo del necesario tomé rumbo en solitario hacia The Jayhawks, a quienes no quería perderme. “Hollywood Town Hall” es uno de mis discos de rock americano recientes por definición y si acompañaban con otros éxitos de su carrera, que no son pocos, ya me podían hacer feliz durante un buen rato. Mucha gente se presentó ante el Estrella Damm considerando la banda de Mark Olson como un entremés de lo que iba a ser el espectáculo de Neil Young. Es una manera de verse, pero lo cierto es que se les puede respetar ya de por sí como una de las grandes bandas que han venido a este festival y en su concierto supieron estar a la altura de un escenario principal sin complicaciones. Sonaron cálidos muchos de sus éxitos, con un tramo final en el que destacó uno de sus himnos principales, “Blue“. Muchos tienen que aprovechar que han vuelto para echar la vista atrás y tomar nota.

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En una posición lejana, con vistas a tomar el avituallamiento previo al tito Neil, estuvimos escuchando algo del concierto de Herman Düne. A decir verdad, salvando algunos de sus temas con más cuerpo de “Next Year In Zion” y contados clásicos, no le vimos demasiado gancho al duo en el escenario Rockdelux. Tampoco se entiende el lío con su presencia o no, pero era algo que desconocíamos antes de verlos en directo. Parece que al contrario que sus compañeros habituales de escena, estos dos hermanos no corren la misma suerte en directo que en el excelente disco que nos dejaron el año pasado. Lo más interesante del concierto, sin duda, en el siguiente vídeo:

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“Qué monos los niños cuando no son tuyos”, piensan en el corrillo.

Caía el sol ya cuando el festival se transformó durante casi dos horas en un concierto único. Los grupos dejaron de tocar (se les acabó el tiempo) y todo el público fue atraído en masa al escenario principal donde Neil Young iba a pisar tarima barcelonesa veintidós años después. En realidad hay muchas más cifras y más datos en medio como para aburrir, pero lo importante fue lo bien que nos lo pasamos por dos motivos: uno era escuchar las bufonadas acerca de la edad del artista, que el año que viene si hay suerte celebrará sus Bodas de Oro profesionales. El otro era comprobar cómo esas mismas bocas se cerraban segundos después de comenzar el show ante el apabullante derroche de fuerza que hizo este grande entre los grandes.

Ha pasado mucho tiempo desde que gente con peluca y sombrero de paja tecleaba un PT-1 al ritmo de “When You Dance I Can Really Love”, de que personas vestidas de teléfono móvil paseaban por la playa con su música de fondo. Muchos años, muchas cosas. Así que el tenerlo aunque fuera a docenas de metros de distancia era el cierre de un ciclo, sin duda. Y espero que fuera igual para al menos un pellizco de la inmensa cantidad de gente que se reunió allí, más que toda la que había pasado por cada edición del festival junta.

Inició con “Mansion on the Hill“, avisando que aquella noche la guitarra eléctrica iba a ser protagonista. Confirmó con “Hey Hey, My My” y fue encadenando temas clásicos sin apenas fijarse en que tiene un disco enfriándose en las estanterías. De todo su repertorio sólo “Spirit Road” y “Get Behind the Wheel” pertenecen a discos suyos de los últimos 15 años. Como si no hubiese hecho nada desde su última visita a la ciudad condal, pero realmente con todo lo que tiene para ofrecer en estos casi cincuenta años de profesión qué mejor forma de agradar a un público que en su mayoría no le ha visto tocar en directo nunca.

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Inmensas sonaron “Cortez The Killer” y “Cinnamon Girl“, y fue con “Mother Earth” cuando decidió parar un poquito el incansable brinco que se trae cuando trata a su guitarra, dotando de más emoción a la segunda parte. Brillaron “The Neddle And The Damage Done“, “Heart Of Gold” y “Down By The River” entre otras en esta sección más acústica. Finalmente trajo de nuevo la fuerza al escenario con “Rockin’ in the Free World” para levantar los miles de brazos del público. En un escueto bis acabó con su tradicional versión de “A Day In The Life” como despedida. Un concierto corto, sobre todo si hacemos caso a los rumores previos que afirmaban que subiría de las dos horas. Pero para sacarle los colores al tito Neil hay que tirar de los números y como ya he dicho, las cifras son lo de menos.

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Dolorosísima elección que nos dejaba el final del concierto grande del festival. ¿Quién iba a tener el complicado papel de continuar la velada? ¿Los arrebatadores desvaríos de Angus Andrew y su banda, Liars? ¿O el calculado rock que nos hace levitar con Deerhunter? Tras unos primeros minutos del trío de “Drum’s Not Dead”, hubimos de decantarnos por los aún no iniciados Deerhunter y su doble álbum de fantasía que nos agradó el último tramo de 2008. Hablar de los personajes pastilleros que nos procuraron empeorar lo más posible la experiencia es un recurso fácil así que vayamos a lo musical. Estaba claro que iban a exprimir al máximo los dos discos que les han convertido en centros de la escena alternativa, así que salvando “Cryptograms“, “Hazel St.” y “Octet” (dicho sea de paso, lo poco destacable del álbum predecesor) compensaron muy bien y eligieron los temas más roqueros de su último lanzamiento. Se vivieron grandes momentos con “Nothing Ever Happened“, “Never Stops” y “Calvary Scars” cerrando el repertorio; daba la impresión de que querían quedarse más rato tocando pero la agenda mandaba y los siguientes eran un referente que no podíamos descartar.

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Sonic Youth aparecieron con gran pirotecnia en un concierto muy criticado y no sé por qué. Parece como si todos los que estuvieran allí los vieran por primera vez y al darse esa circunstancia estuvieran obligados a dar un recital de grandes éxitos. Es una estupidez dado que visitan el Primavera Sound relativamente a menudo y tienen un estupendo último disco “The Eternal” de hace pocos meses. Así pues, ninguna queja: dando carrerazas por el recinto con “‘Cross The Breeze” o flipando con la contundencia de “What We Know“, estos veteranos supieron sacarnos la vida que ya no teníamos a esas horas. Personalmente si hacen un concierto con canciones desde álbum “Sonic Nurse” yo encantado, porque para mí no fallan una desde ese disco…

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Penúltimo concierto y con las piernas hechas migas, un paso por la experiencia truchona de Simian Mobile Disco. Realmente no soy animal de pista de baile así que me abstuve de serpentear al ritmo de “Hustler” o “Simple“, pero no niego que me deje llevar en otras circunstancias. Mucho más dignos en su labor que Aphex Twin 48 horas antes, llevaron el ciclo interminable de subidas y bajadas con un componente de luces muy bien coordinado. En resumen, una movida sensorial de búsqueda perpetua del ritmo definitivo. Muy bien.

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Y para cerrar ya a deshoras nada mejor que tomarse los churros con los Black Lips, la banda que según la prensa y la organización llevaban liándola todo el festival con trifulcas y borracheras pero que a la hora de la verdad llegaron, vieron y vencieron. Nos faltó ver los primeros temas, entre ellos el irresistible “O Katrina” pero cayeron bastantes de su último disco y otros temazos: “Bad Kids”, “Hippie, Hippie, Hoorrah”, “Drugs” o “Cold Hands” cantados por borrachos para borrachos, todos unidos por un deplorable estado mental que llevó a desnudos dentro y fuera del escenario. Nosotros disfrutábamos a partes iguales entre música y guiris vomitando con la mirada perdida en los puestos de conos de pizza o más allá.

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Así fue el fin de fiesta, de festival. Como habréis podido leer si tenéis agallas, ha habido de todo: desconocidos, descubrimientos, decepciones, desvergonzados, grandes directos, muchos tipos de conciertos y de momentos. Realmente os recomiendo el Primavera Sound para el siguiente año a los que os apetezca ir a un festival para lo primordial: la música. Además se ha visto caminando al fantasma de Thom Yorke… ¿querrá decir algo para la próxima edición?

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